Quando François Boucher svelò Pygmalion e Galatea nel 1764, l'opera fu immediatamente riconosciuta come una audace fusione di mito e sensualità, dipinta al culmine della sua fama come pittore di corte di Madame de Pompadour. L'opera si distingue come uno dei pochi trattamenti significativi del mito di Pygmalion nell'arte francese del XVIII secolo, e l'unica versione conosciuta dello stesso Boucher. Il suo debutto coincise con un rinnovato interesse per i temi classici alla corte francese, dove lo stile giocoso Rococò di Boucher fu sia celebrato che criticato per la sua audace intimità. In questa scena, Boucher cattura l'istante esatto in cui la statua d'avorio dello scultore Pygmalion prende vita, un dono di Venere in risposta alle sue disperate preghiere.

La forma di marmo di Galatea si ammorbidisce mentre si piega in avanti, il suo braccio si estende per abbracciare il suo stupito creatore, mentre Pygmalion si inginocchia in ammirazione, i suoi strumenti abbandonati ai suoi piedi. La luce delicata accarezza la pelle di Galatea, segnalando la sua trasformazione da fredda pietra a carne viva. Cupido fluttua sopra, con l'arco in mano, un chiaro riferimento all'intervento divino.

A differenza dell'interpretazione più contenuta di Jean-Léon Gérôme, la versione di Boucher è lussureggiante e intima, enfatizzando il miracolo tattile della creazione e dell'amore. La precisa storia iniziale di Pygmalion e Galatea rimane in parte oscura, sebbene si creda sia stata commissionata per un collezionista privato a Parigi, riflettendo l'appetito dell'epoca per temi mitologici con un tocco sensuale. Il dipinto ha cambiato più volte proprietario, passando attraverso notevoli collezioni francesi prima di entrare nel dominio pubblico. Oggi è considerato un punto culminante tardivo del periodo Rococò di Boucher, mostrando la sua abilità nel rendere carne, drappeggi e fantasia mitologica.

Il suo fascino duraturo risiede nel modo in cui unisce l'eleganza giocosa del Rococò con il dramma emotivo della leggenda antica.