Rococó: pintura e arte rococó

Na arte, o rococó é o estilo leve, brincalhão e muito decorativo que surgiu na França no início dos anos 1700, depois da morte de Luís XIV, como reação à grandiosidade barroca de Versalhes. A Tate o descreve como leve, sensual e intensamente decorativo, um estilo de curvas curtas, volutas e contracurvas. O vocabulário de arte do Getty acrescenta a opulência, a assimetria, a graça, a alegria e uma paleta clara, em contraste com as formas mais pesadas e as cores mais escuras do barroco.

Fontes: Tate: Rococo · Getty AAT: Rococo

A arte rococó é leve, curva e brincalhona: cores pastel, curvas assimétricas em forma de C e de S, conchas e flores, e temas de amor, lazer e mitologia. A National Gallery, de Londres, diz que ela é dominada pela assimetria, pelas formas curvas e pelas cores claras e luminosas. A Wallace Collection acrescenta que o rosa e o turquesa eram as cores preferidas, que pastores e pastoras rústicos eram um tema favorito e que os temas de flerte e frivolidade vão de Watteau a Boucher e Fragonard.

Fontes: National Gallery (Londres): Rococo (glossário) · Wallace Collection: What is Rococo? · Wallace Collection: Re-viewing the Rococo

O rococó surgiu na França, na corte de Luís XV, por volta de 1715, e já estava fora de moda nos anos 1780. A Tate diz que ele se desenvolveu depois da morte de Luís XIV, em 1715, como reação à grandiosidade barroca de Versalhes, e a National Gallery, de Londres, o liga ao reinado de Luís XV (1715–1774); na pintura, Jean-Antoine Watteau veio primeiro. Da França, o estilo se espalhou pela Itália, pelo sul da Alemanha, pela Áustria e pela Rússia, diz a Wallace Collection, e a Tate diz que o pintor Philip Mercier o levou para a Grã-Bretanha. Nos anos 1780, o neoclassicismo tomou seu lugar.

Fontes: Tate: Rococo · National Gallery (Londres): Rococo (glossário) · Getty AAT: Rococo · Wallace Collection: What is Rococo? · Wallace Collection: Re-viewing the Rococo · National Gallery (Londres): Jean-Antoine Watteau

A palavra rococó vem de rocaille, termo francês para o trabalho de pedras e conchas usado para decorar grutas artificiais e fontes. A Wallace Collection diz que a palavra foi usada pela primeira vez no início dos anos 1730 para qualquer coisa exagerada, assimétrica ou irregular, e só depois para o estilo da moda. A National Gallery, de Londres, observa que os críticos neoclássicos do fim do século XVIII usaram o rótulo como insulto.

Fontes: Wallace Collection: What is Rococo? · Tate: Rococo · National Gallery (Londres): Rococo (glossário)

O barroco é o estilo grandioso e dramático do século XVII; o rococó, da França do início do século XVIII, é mais leve, mais íntimo e mais brincalhão. A Tate descreve o barroco como dinâmico e realista e muito ligado à Contrarreforma católica, e o rococó como uma reação à grandiosidade barroca de Versalhes. O vocabulário de arte do Getty contrapõe a paleta clara do rococó às formas mais pesadas e às cores mais escuras do barroco.

Fontes: Tate: Baroque · Tate: Rococo · Getty AAT: Rococo

O rococó é curvo, colorido e frívolo; o neoclassicismo, que o substituiu, é severo e moralmente sério, inspirado na Grécia e na Roma antigas. A Tate data o neoclassicismo de cerca de 1750, alimentado pela descoberta de Pompeia e pela história da arte antiga de Winckelmann. A Wallace Collection diz que, nos anos 1780, as curvas assimétricas do rococó tinham dado lugar às linhas limpas e claras e às cores primárias do neoclassicismo.

Fontes: Tate: Neoclassicism · Wallace Collection: Re-viewing the Rococo

Os principais pintores do rococó são Jean-Antoine Watteau, François Boucher e Jean-Honoré Fragonard, na França, os três que a Tate cita como exemplos do estilo. Outros são Jean-Siméon Chardin, Jean-Marc Nattier e Élisabeth Vigée Le Brun, na França; Giovanni Battista Tiepolo, na Itália, que a National Gallery, de Londres, chama de maior pintor rococó italiano; e William Hogarth e Thomas Gainsborough, na Grã-Bretanha, onde a Tate identifica a influência do estilo.

Fontes: Tate: Rococo · National Gallery (Londres): Giovanni Battista Tiepolo

As obras rococó mais conhecidas no mundo, pelo número de línguas em que uma enciclopédia tem um artigo sobre elas, são O Balanço e A Leitora, de Fragonard, O Embarque para Cítera, de Watteau, O Senhor e a Senhora Andrews, de Gainsborough, e Diana Saindo do Banho, de Boucher. A Wallace Collection, de Londres, diz que O Balanço moldou de modo fundamental a maneira como se vê a arte rococó, e a National Gallery, de Londres, conta que a Academia francesa criou a categoria da festa galante para O Embarque para Cítera, em 1717.

Fontes: Wallace Collection · National Gallery of Art (Washington) (Google Arts & Culture) · Museu do Louvre · National Gallery (Londres): Jean-Antoine Watteau · National Gallery (Londres) · Museu do Louvre

Rococó mineiro é como muitos historiadores da arte chamam a fase final da arte religiosa de Minas Gerais, a partir de cerca de 1760, também conhecida como barroco tardio ou barroco mineiro; por isso é tratada também na seleção da arte barroca. A Enciclopédia Itaú Cultural vê nele a expressão mais original do barroco brasileiro: igrejas pequenas e harmoniosas, de decoração graciosa em pedra-sabão, como a de São Francisco de Assis, em Ouro Preto, projetada por Aleijadinho, cujo forro Mestre Ataíde pintou com a Assunção da Virgem entre 1801 e 1812. Para a historiadora Myriam Andrade Ribeiro de Oliveira, citada pela enciclopédia, o estilo de Aleijadinho é rococó.

Fontes: Enciclopédia Itaú Cultural: Barroco brasileiro · Enciclopédia Itaú Cultural: Aleijadinho · Enciclopédia Itaú Cultural: Mestre Athaide · Enciclopédia Itaú Cultural: Assunção da Virgem · Enciclopédia Itaú Cultural: Igreja de São Francisco de Assis (Ouro Preto)

O Balanço mostra uma jovem num balanço, empurrada por um homem mais velho, enquanto seu admirador a olha de baixo, escondido entre os arbustos. A Wallace Collection, dona da pintura, a liga a uma encomenda de 1767: um cavalheiro da corte queria a amante pintada num balanço empurrado por um bispo, com ele próprio admirando as pernas dela; o pintor Doyen recusou e sugeriu Fragonard. Na pintura final, o homem mais velho já não é um padre, e uma estátua de Cupido, de Falconet, comenta a história.

Fontes: Wallace Collection

Sim. Todos os pintores citados aqui morreram até 1867, por isso suas pinturas estão em domínio público nos Estados Unidos e nos países onde o direito autoral termina 70 anos após a morte do artista. Você pode baixá-las grátis e usá-las para qualquer fim, inclusive em projetos comerciais. Alguns países têm regras próprias sobre fotografias de obras de arte; verifique-as se for publicar fora dos Estados Unidos.

Fontes: Biblioteca da Universidade Cornell: Copyright Term and the Public Domain