Na década de 1640, Francisco de Zurbarán pintou pelo menos oito versões de São Francisco, cada uma com sutis diferenças, refletindo tanto a popularidade da imagem do santo na Espanha quanto a própria fascinação de Zurbarán pelo tema. Esta obra de 1642 se destaca por sua intensa solidão e foco, despojando-se de tudo, exceto do essencial. As origens da pintura ainda são debatidas—nenhum registro de encomenda sobrevive—mas sua simplicidade assombrosa levou alguns estudiosos a se perguntarem se Zurbarán a criou para sua própria meditação ou como um modelo para seu ateliê.

O meio exato da pintura é incerto, embora a maioria das obras de Zurbarán desse período sejam óleo sobre tela. São Francisco aparece no momento de oração mais profunda, com as mãos unidas e o olhar voltado para baixo, perdido em contemplação. O hábito áspero e remendado e a corda atada em sua cintura não são meros detalhes, mas símbolos da renúncia de Francisco aos bens materiais e sua aceitação da pobreza. Zurbarán banha o santo em um feixe de luz que o esculpe da escuridão, uma metáfora visual da iluminação divina que penetra a solidão de Francisco.

Ao contrário dos dramáticos e teatrais santos de Caravaggio, o Francisco de Zurbarán é silencioso, introspectivo, com o drama ocorrendo no espaço silencioso entre a figura e o vazio. A trajetória deste particular São Francisco é menos documentada do que a de algumas das outras obras de Zurbarán. Muitas de suas pinturas do santo foram adquiridas por mosteiros espanhóis ou colecionadores privados no século XVII, e algumas viajaram mais tarde para coleções na França e na Inglaterra. Hoje, esta pintura está no Museu do Prado, onde é admirada como um exemplo chave do estilo maduro de Zurbarán: profundamente espiritual, austero e focado na vida interior.

Marca um período em que o artista estava no auge de suas habilidades, procurado por patronos religiosos em toda a Espanha, e refinando a intensidade silenciosa que definiria seu legado.