Quando Paolo Veronese pintou São Jerônimo em Penitência por volta de 1580, ele se juntou a uma tradição veneziana de representar o retiro lendário do santo no deserto, mas com um toque teatral que distingue sua obra. A comissão precisa da pintura se perdeu na história, no entanto, ela se destaca por sua ousada composição e pela forma como funde drama espiritual com a sensibilidade exuberante do final do Renascimento veneziano. Ao contrário dos muitos altares que Veronese produziu para igrejas, esta obra provavelmente foi destinada à devoção privada, refletindo o gosto crescente entre os ricos patronos por cenas religiosas íntimas e carregadas de emoção.

O paradeiro da pintura durante grande parte de sua história inicial permanece incerto, adicionando um ar de mistério à sua procedência. No coração da cena, o envelhecido Jerônimo se ajoelha sozinho em um deserto rochoso, seu corpo magro iluminado por um raio de luz que rompe a escuridão. Em uma mão, ele segura uma pedra, prestes a golpear seu peito em um gesto de penitência — uma referência aos atos lendários de automortificação do santo enquanto buscava perdão e sabedoria divina. O crânio ao seu lado é um memento mori, um lembrete da mortalidade, enquanto o livro aberto alude à tradução erudita da Bíblia para o latim por Jerônimo.

O tratamento de Veronese é mais teatral e sensual do que as visões austeras e ascéticas de São Jerônimo de El Greco ou Caravaggio; aqui, o drama é intensificado pelo jogo de luz sobre a carne e os suntuosos pregas da túnica vermelha do santo, convidando o espectador a contemplar tanto o sofrimento quanto a redenção. A jornada da pintura após sua criação não está totalmente documentada, mas é típica das obras religiosas tardias de Veronese, que eram valorizadas por colecionadores em toda a Europa. Ao longo dos séculos, São Jerônimo em Penitência foi atribuído a várias mãos, um destino comum para as pinturas venezianas deste período, mas a análise estilística e a pesquisa de arquivos confirmaram que é uma obra autêntica de Veronese. Hoje, é reconhecida como um exemplo significativo do estilo maduro do artista, equilibrando a intensidade espiritual com a cor opulenta e a luz dramática que definem o final do Renascimento veneziano.

Sua sobrevivência e exibição contínua oferecem uma janela tanto para as práticas devocionais quanto para as ambições artísticas da Veneza do século XVI.