Renascimento: pintura e arte renascentista

A arte renascentista é a retomada da arte e dos ideais da Grécia e da Roma antigas que começou na Itália por volta de 1400. A palavra vem do francês renaissance, “renascimento”: a Tate descreve o Renascimento como o grande renascer da arte na Itália a partir de cerca de 1400, sob a influência da redescoberta da arte e da cultura clássicas, e a National Gallery, de Londres, diz que o termo designa tanto o período que vai do século XV ao fim do XVI quanto o estilo da arte desses séculos.

Fontes: Tate: Renaissance · National Gallery (Londres): Renaissance (glossário)

A arte renascentista se reconhece por figuras idealizadas e cheias de vida num espaço convincente, por modelos tirados da arte grega e romana e por composições calmas e equilibradas. O vocabulário de arte do Getty descreve o Alto Renascimento como uma visão da grandeza humana e da ação heroica, com ordem, simetria, equilíbrio e harmonia. Os pintores construíam o espaço com a perspectiva linear, descrita por Leon Battista Alberti em 1435, e Leonardo suavizava os contornos com o sfumato, passagens graduais de tom sem linhas duras, explica a National Gallery, de Londres.

Fontes: Getty AAT: High Renaissance · Getty AAT: Renaissance · National Gallery (Londres): Linear perspective (glossário) · National Gallery (Londres): Sfumato (glossário)

O Renascimento surgiu na Itália, em Florença, por volta de 1400, e durou até cerca de 1600. A National Gallery, de Londres, liga o novo estilo, mais realista, a Masaccio e ao escultor Donatello, em Florença: Masaccio modelou figuras monumentais com a luz, como Giotto fizera um século antes, e as combinou com a perspectiva linear. A Tate situa o auge, o Alto Renascimento, entre cerca de 1500 e 1530, com Michelangelo, Leonardo e Rafael; a partir de cerca de 1520, seguidores de Rafael e de Michelangelo passaram ao maneirismo.

Fontes: Tate: Renaissance · Tate: Mannerist · National Gallery (Londres): Renaissance (glossário) · National Gallery (Londres): Early Renaissance (glossário) · National Gallery (Londres): Masaccio

O Renascimento italiano foi a renovação da arte que começou em Florença no início do século XV e se espalhou por Roma, Veneza e o resto da Itália. A National Gallery, de Londres, distingue duas fases, o Renascimento inicial e o Alto Renascimento, e o vocabulário de arte do Getty diz que o Alto Renascimento se desenvolveu em Florença e em Roma nos anos 1490. Veneza teve sua própria escola, com Bellini, Giorgione, Ticiano e Veronese. No fim do século XV, acrescenta o Getty, o Renascimento chegou ao norte da Europa, tema da seleção do Renascimento nórdico.

Fontes: National Gallery (Londres): Renaissance (glossário) · National Gallery (Londres): Early Renaissance (glossário) · Getty AAT: High Renaissance · Museu do Louvre: From the Mona Lisa to The Wedding Feast at Cana · Getty AAT: Northern Renaissance

O Renascimento nasceu da redescoberta da arte, da arquitetura e da literatura da Antiguidade, que a National Gallery, de Londres, situa na Itália a partir do século XIV, e cresceu graças a patronos poderosos. Os papas Sisto IV e Júlio II encomendaram os afrescos da Capela Sistina, segundo os Museus Vaticanos; em Milão, diz o museu da Última Ceia, Ludovico Sforza criou uma corte próspera que atraía artistas, intelectuais e músicos, e encomendou a Leonardo A Última Ceia; em Florença, os Médici provavelmente encomendaram O Nascimento de Vênus, de Botticelli, segundo a Galeria Uffizi.

Fontes: National Gallery (Londres): Renaissance (glossário) · Museus Vaticanos: Sistine Chapel · Cenacolo Vinciano (Museu da Última Ceia): History · Galeria Uffizi

O Renascimento cultural é o Renascimento visto como um todo: não só a pintura, mas também a arquitetura, a literatura e as ideias que se voltaram para a Antiguidade clássica. O vocabulário de arte do Getty o define como o movimento intelectual, o estilo e a cultura que surgiram na Itália no fim do século XIV, se espalharam pela Europa e culminaram no século XVI, com referência deliberada à arte, à arquitetura, à literatura e aos ideais da Grécia e da Roma clássicas. A National Gallery, de Londres, fala da redescoberta da arte, da arquitetura e da literatura antigas.

Fontes: Getty AAT: Renaissance · National Gallery (Londres): Renaissance (glossário)

A arte renascentista valorizava o ser humano, a natureza e o modelo da Grécia e da Roma antigas. O vocabulário de arte do Getty diz que o Renascimento inicial trocou os estilos fantásticos e decorativos da Idade Média pelo mundo idealizado e natural da arte clássica, e descreve o Alto Renascimento como uma visão da grandeza humana e da ação heroica, com ordem, simetria, equilíbrio e harmonia. Para a Tate, o período foi o grande renascer da arte sob a influência da redescoberta da arte e da cultura clássicas.

Fontes: Getty AAT: Early Renaissance · Getty AAT: High Renaissance · Tate: Renaissance

Os principais pintores renascentistas são Leonardo da Vinci, Michelangelo, Rafael e Ticiano, os mestres que a National Gallery, de Londres, cita para o Alto Renascimento. Antes deles vieram Masaccio, Fra Angelico, Piero della Francesca e Sandro Botticelli, no século XV, e, em Veneza, Giovanni Bellini e Giorgione. A National Gallery chama Rafael de pintor supremo do Alto Renascimento e Ticiano de maior pintor da Veneza do século XVI.

Fontes: National Gallery (Londres): High Renaissance (glossário) · National Gallery (Londres): Raphael · National Gallery (Londres): Titian · National Gallery (Londres): Masaccio · National Gallery (Londres): Fra Angelico · National Gallery (Londres): Piero della Francesca

As obras renascentistas mais conhecidas no mundo, pelo número de línguas em que uma enciclopédia tem um artigo sobre elas, são a Mona Lisa e A Última Ceia, de Leonardo da Vinci, A Criação de Adão, de Michelangelo, e O Nascimento de Vênus, de Botticelli. O Louvre considera a Mona Lisa a pintura mais famosa do mundo; A Última Ceia cobre uma parede do antigo refeitório de Santa Maria delle Grazie, em Milão; A Criação de Adão está no teto da Capela Sistina. Logo depois vêm a Dama com Arminho, de Leonardo, e A Primavera, de Botticelli.

Fontes: Museu do Louvre: From the Mona Lisa to The Wedding Feast at Cana · Cenacolo Vinciano (Museu da Última Ceia): The Last Supper · Museus Vaticanos: Sistine Chapel ceiling, central stories · Galeria Uffizi · Museu Nacional de Cracóvia

A perspectiva linear é o sistema que os pintores renascentistas usavam para representar o espaço tridimensional numa superfície plana: as linhas paralelas que se afastam parecem convergir para um único ponto do horizonte. O sistema mais conhecido é o que Leon Battista Alberti descreveu em seu tratado Da Pintura, de 1435, explica a National Gallery, de Londres, que chama Paolo Uccello de pioneiro da perspectiva linear. A Flagelação de Cristo, de Piero della Francesca, segue os princípios de Alberti, diz a Galleria Nazionale delle Marche.

Fontes: National Gallery (Londres): Linear perspective (glossário) · National Gallery (Londres): Paolo Uccello · Galleria Nazionale delle Marche (em italiano)

O sfumato é a qualidade “esfumaçada” que desfaz os contornos, de modo que as figuras surgem de um fundo escuro por meio de passagens graduais de tom, sem linhas duras, explica a National Gallery, de Londres. Leonardo da Vinci aconselhou pintar “sem linhas” no seu tratado de pintura, que deixou inacabado, e o efeito aparece nas obras dele; em Veneza, Giorgione também o adotou. Na Mona Lisa, Leonardo construiu o rosto com passagens quase imperceptíveis de sombra e luz, em finas camadas de veladura, segundo o Louvre.

Fontes: National Gallery (Londres): Sfumato (glossário) · Museu do Louvre

A arte renascentista trocou o estilo plano e decorativo da arte medieval por figuras cheias de vida, espaço real e modelos da Grécia e da Roma antigas. A National Gallery, de Londres, descreve as figuras da arte gótica como alongadas, com panejamentos fluidos e lineares, e chama Giotto de principal libertador da pintura italiana do estilo bizantino. O vocabulário de arte do Getty diz que o Renascimento inicial se afastou dos estilos fantásticos e decorativos da Idade Média em direção ao mundo idealizado e natural da arte clássica.

Fontes: National Gallery (Londres): Gothic (glossário) · National Gallery (Londres): Giotto · Getty AAT: Early Renaissance

Michelangelo pintou o teto da Capela Sistina para o papa Júlio II entre 1508 e 1512. Os Museus Vaticanos dizem que ele assinou o contrato em 8 de maio de 1508 e terminou em outubro de 1512, e que o papa inaugurou a capela com uma missa em 1º de novembro. Ele dispôs nove histórias do Gênesis, da separação da luz e das trevas à embriaguez de Noé, numa arquitetura pintada, com profetas e sibilas em tronos abaixo. Voltou entre 1536 e 1541 para pintar O Juízo Final na parede do altar.

Fontes: Museus Vaticanos: Sistine Chapel ceiling · Museus Vaticanos: Sistine Chapel ceiling, central stories · Museus Vaticanos: Sistine Chapel

Sim. Todos os pintores citados aqui morreram até 1660, por isso suas pinturas estão em domínio público nos Estados Unidos e nos países onde o direito autoral termina 70 anos após a morte do artista. Você pode baixá-las grátis e usá-las para qualquer fim, inclusive em projetos comerciais. Alguns países têm regras próprias sobre fotografias de obras de arte; verifique-as se for publicar fora dos Estados Unidos.

Fontes: Biblioteca da Universidade Cornell: Copyright Term and the Public Domain