Poucos temas na arte do século XVII foram tão raramente pintados quanto o momento após o martírio de São Sebastião, quando Santa Irene chega para salvá-lo. No entanto, em 1630, Artemisia Gentileschi—uma das poucas mulheres pintoras célebres do Barroco—escolheu este episódio incomum para sua tela. A história havia cativado a Europa católica desde a Contra-Reforma, mas a maioria dos artistas, de Andrea Mantegna a Guido Reni, focou no sofrimento de Sebastião, não em seu resgate.

A versão de Artemisia se destaca não apenas por seu foco na compaixão feminina, mas também porque é um dos vários tratamentos que ela fez sobre o tema, cada um com sutis diferenças. Os estudiosos ainda debatem quantas versões ela pintou e para quais patronos. A cena se desenrola na penumbra que se segue à violência: Sebastião, uma vez soldado romano, está ferido e amarrado a uma árvore, seu corpo perfurado por flechas. Em vez de anjos ou carrascos, é Irene—com o rosto concentrado e as mãos suaves—quem domina a composição.

Ela se inclina sobre Sebastião, removendo flechas e cuidando de suas feridas, seu gesto é um ato silencioso de coragem e cuidado. O jogo de luz e sombra, marcas do drama barroco, isola as duas figuras contra um fundo escuro, atraindo o olhar para a firmeza de Irene e a vulnerabilidade exausta de Sebastião. Ao contrário dos mártires de Caravaggio, o Sebastião de Artemisia não é uma vítima passiva; o foco da pintura na curadora transforma o martírio em uma cena de esperança e solidariedade. A trajetória precisa desta pintura permanece parcialmente envolta em mistério: sua proveniência mais antiga é incerta, e o patrono original não está registrado, embora Artemisia estivesse ativa em Nápoles na época e frequentemente trabalhasse para aristocratas locais e ordens religiosas.

Ao longo dos séculos, versões de São Sebastião atendido por Santa Irene apareceram em coleções por toda a Europa, às vezes mal atribuídas ou confundidas com cópias de seus seguidores. Hoje, esta obra é celebrada como um raro exemplo da pintura religiosa madura de Artemisia, refletindo tanto seu domínio técnico quanto sua perspectiva distinta sobre histórias de sofrimento e sobrevivência. Sua sobrevivência e reconhecimento marcam um capítulo importante na redescoberta de Artemisia Gentileschi como uma figura proeminente do Barroco italiano.