Pocos temas en el arte del siglo XVII fueron tan raramente pintados como el momento después del martirio de San Sebastián, cuando Santa Irene llega para salvarlo. Sin embargo, en 1630, Artemisia Gentileschi—una de las pocas mujeres pintoras célebres del Barroco—elegió este episodio inusual para su lienzo. La historia había cautivado a la Europa católica desde la Contrarreforma, pero la mayoría de los artistas, desde Andrea Mantegna hasta Guido Reni, se centraron en el sufrimiento de Sebastián, no en su rescate.

La versión de Artemisia se destaca no solo por su enfoque en la compasión femenina, sino también porque es uno de los varios tratamientos que realizó sobre el tema, cada uno con sutiles diferencias. Los académicos aún debaten cuántas versiones pintó y para qué mecenas. La escena se desarrolla en el tenue resplandor posterior a la violencia: Sebastián, una vez soldado romano, yace herido y atado a un árbol, su cuerpo atravesado por flechas. En lugar de ángeles o verdugos, es Irene—con el rostro concentrado y las manos suaves—quien domina la composición.

Se inclina sobre Sebastián, extrayendo flechas y atendiendo sus heridas, su gesto es un acto silencioso de valentía y cuidado. El juego de luz y sombra, características del drama barroco, aísla a las dos figuras contra un fondo oscuro, dirigiendo la mirada hacia la firme resolución de Irene y la agotada vulnerabilidad de Sebastián. A diferencia de los mártires de Caravaggio, el Sebastián de Artemisia no es una víctima pasiva; el enfoque de la pintura en la sanadora transforma el martirio en una escena de esperanza y solidaridad. El recorrido preciso de esta pintura sigue estando parcialmente envuelto en misterio: su procedencia más temprana es incierta, y el mecenas original no está registrado, aunque Artemisia estaba activa en Nápoles en ese momento y a menudo trabajaba para aristócratas locales y órdenes religiosas.

A lo largo de los siglos, versiones de San Sebastián atendido por Santa Irene han aparecido en colecciones de toda Europa, a veces mal atribuidas o confundidas con copias de sus seguidores. Hoy en día, esta obra es celebrada como un raro ejemplo de la pintura religiosa madura de Artemisia, reflejando tanto su dominio técnico como su perspectiva distintiva sobre historias de sufrimiento y supervivencia. Su supervivencia y reconocimiento marcan un capítulo importante en el redescubrimiento de Artemisia Gentileschi como una figura destacada del Barroco italiano.