Pochi soggetti nell'arte del XVII secolo furono dipinti così raramente come il momento dopo il martirio di San Sebastiano, quando Santa Irene arriva per salvarlo. Eppure, nel 1630, Artemisia Gentileschi—una delle poche donne pittrici celebrate del Barocco—scelse questo episodio insolito per la sua tela. La storia aveva affascinato l'Europa cattolica sin dalla Controriforma, ma la maggior parte degli artisti, da Andrea Mantegna a Guido Reni, si concentrò sulla sofferenza di Sebastiano, non sul suo salvataggio.

La versione di Artemisia si distingue non solo per il suo focus sulla compassione femminile, ma anche perché è uno dei diversi trattamenti che realizzò sul tema, ognuno con sottili differenze. Gli studiosi discutono ancora su quante versioni abbia dipinto e per quali mecenati. La scena si svolge nel tenue chiarore che segue la violenza: Sebastiano, un tempo soldato romano, giace ferito e legato a un albero, il suo corpo trapassato da frecce. Invece di angeli o carnefici, è Irene—con il volto concentrato e le mani delicate—che domina la composizione.

Si piega su Sebastiano, rimuovendo frecce e curando le sue ferite, il suo gesto è un atto silenzioso di coraggio e cura. Il gioco di luce e ombra, tratti distintivi del dramma barocco, isola le due figure su uno sfondo scuro, attirando lo sguardo sulla determinazione ferma di Irene e sulla vulnerabilità esausta di Sebastiano. A differenza dei martiri di Caravaggio, il Sebastiano di Artemisia non è una vittima passiva; il focus della pittura sulla guaritrice trasforma il martirio in una scena di speranza e solidarietà. Il percorso preciso di questo dipinto rimane parzialmente avvolto nel mistero: la sua provenienza più antica è incerta e il mecenate originale non è registrato, sebbene Artemisia fosse attiva a Napoli in quel periodo e spesso lavorasse per aristocratici locali e ordini religiosi.

Nel corso dei secoli, versioni di San Sebastiano assistito da Santa Irene sono apparse in collezioni in tutta Europa, a volte attribuite erroneamente o confuse con copie dei suoi seguaci. Oggi, quest'opera è celebrata come un raro esempio della pittura religiosa matura di Artemisia, riflettendo sia il suo dominio tecnico che la sua prospettiva distintiva su storie di sofferenza e sopravvivenza. La sua sopravvivenza e riconoscimento segnano un capitolo importante nella riscoperta di Artemisia Gentileschi come figura di spicco del Barocco italiano.