Quando O pedreiro ferido foi exibido pela primeira vez em 1786, destacava-se dos cartazes decorativos que Francisco de Goya estava produzindo para a corte espanhola. Em vez de celebrar festividades rurais ou o lazer da corte, Goya escolheu focar na dura realidade de um acidente de trabalho — um tema incomum para uma encomenda destinada a adornar as paredes do palácio do Príncipe das Astúrias. A representação implacável do sofrimento da classe trabalhadora foi tão impactante que, mais tarde, críticos a citaram como um sinal precoce da consciência social de Goya, que viria a definir seu trabalho maduro. No centro da cena, um pedreiro está caído, seu corpo apoiado por dois companheiros que lutam para mantê-lo em pé.

O momento que Goya seleciona é de crise: o braço flácido e o rosto pálido do homem ferido contrastam com os gestos ansiosos de seus colegas de trabalho, cujas mãos ásperas e roupas simples marcam sua condição. Um feixe de luz solar cai diretamente sobre o homem ferido, isolando-o da agitação sombria atrás dele — um recurso que atrai o olhar do espectador para sua vulnerabilidade. Ao contrário dos camponeses idealizados de Jean-Baptiste Greuze ou das cenas de gênero sentimentais populares na França, Goya não oferece consolo, apenas a crua immediaticidade da dor e da solidariedade humana. Os detalhes exatos do patrocínio de O pedreiro ferido permanecem incertos, embora seja geralmente aceito como parte da série de cartazes de tapeçaria de Goya para o palácio real de El Pardo.

Ao longo dos séculos, a pintura foi preservada em coleções espanholas, e hoje faz parte do acervo do Museu do Prado, onde é reconhecida como uma obra chave na carreira inicial de Goya. Seu realismo sem adornos prenuncia as explorações posteriores do sofrimento humano pelo artista, unindo as demandas decorativas das encomendas reais com a visão mais sombria e pessoal que surgiria em seu período maduro.