Когда Гюстав Доре выставил Псалтерион в 1868 году, зрители были поражены его загадочным фокусом: это не библейская сцена и не грандиозное историческое событие, а одинокая фигура, погруженная в создание музыки. Это было отклонение от репутации Доре как иллюстратора Данте и Сервантеса, и критики того времени отметили тихую интенсивность картины. Название работы отсылает к псалтериону, струнному инструменту с древними корнями, который редко встречается в искусстве 19 века.

Его появление здесь вызвало спекуляции о намерениях Доре — призывал ли он потерянные звуковые миры древности или размышлял о силе самой музыки? В центре картины находится молодая женщина, ее взгляд опущен, пальцы нежно касаются струн псалтериона. Свет мягко падает на ее лицо и инструмент, изолируя ее от затененного фона и создавая атмосферу внутреннего, созерцательного настроения. Псалтерион, изображенный с тщательной детализацией, становится фокусом — символом гармонии и преданности, возможно, напоминая псалмы царя Давида.

В отличие от восторженных музыкальных собраний, изображенных Вермеером или Караваджо, сцена Доре интимна и одиночна, подчеркивая личную, почти духовную связь между музыкантом и музыкой. Отсутствие аудитории приглашает зрителя слушать в тишине. Точная техника исполнения Псалтериона остается неясной, как и его ранняя история; он не входит в число крупных заказов, которые сформировали карьеру Доре. Ясно одно: эта картина принадлежит к периоду, когда Доре исследовал темы, выходящие за рамки его знаменитых гравюр, экспериментируя с настроением и атмосферой в масле и, возможно, смешанной технике.

На протяжении многих лет картина появлялась в нескольких частных коллекциях, редко выставлялась, и ее атрибуция никогда не подвергалась серьезному сомнению. Сегодня Псалтерион ценится как редкое окно в более тихую, более интроспективную сторону Доре — контрапункт к грандиозным нарративам, которые сделали его имя.