Im Jahr 1630 malte Peter Paul Rubens eine Szene aus der griechischen Mythologie, die sowohl Renaissance- als auch Barockmäzene faszinierte: den Moment, als Achilles, verkleidet als Mädchen, unter den Töchtern des Königs Lykomedes enttarnt wurde. Die Geschichte war besonders beliebt an den Höfen Europas, wo Themen wie Verkleidung, Geschlecht und Schicksal bei Herrschern und ihren Beratern Anklang fanden. Rubens' Version sticht durch ihre dynamische Komposition und sinnliche Energie hervor und ist eines von mehreren Behandlungen des Themas durch den Künstler und seine Werkstatt – ein Zeugnis für ihre anhaltende Anziehungskraft.

Der genaue Auftrag des Gemäldes bleibt ungewiss, aber seine Größe und Ambition deuten darauf hin, dass es für ein anspruchsvolles und gebildetes Publikum gedacht war. Im Zentrum der Szene hat Odysseus geschickt Geschenke für die Frauen ausgelegt: feine Stoffe, Schmuck und, entscheidend, Waffen. Während die Töchter des Lykomedes von den Seiden und Ornamenten angezogen werden, greift Achilles, unfähig, seiner kriegerischen Natur zu widerstehen, nach dem Schwert. Rubens fängt diesen entscheidenden Moment ein: Achills Geste verrät seine wahre Identität, während die überraschten Reaktionen der Frauen um ihn herum in einem Wirbel aus Farbe und Bewegung kreisen.

Die Muskulatur von Achills Körper, selbst in weiblicher Kleidung, ist ein visuelles Indiz für den Betrachter und spiegelt Rubens' Faszination für den menschlichen Körper in Bewegung wider. Im Vergleich zu Nicolas Poussins zurückhaltenderer Interpretation desselben Mythos ist Rubens' Version exuberant, fast theatralisch, und betont das Drama über die Anstand. Die genaue Provenienz dieses speziellen Achilles, der unter den Töchtern des Lykomedes erkannt wird, ist nicht vollständig dokumentiert, aber Werke zu diesem Thema von Rubens waren bekannt dafür, unter fürstlichen Sammlungen im 17. Jahrhundert zu zirkulieren.

Wie viele von Rubens' mythologischen Leinwänden ist es wahrscheinlich, dass sie durch mehrere Hände ging, bevor sie in eine bedeutende Museumsammlung gelangte. Heute steht es als lebendiges Beispiel für den reifen Stil des Künstlers, gemalt in einer Zeit, als er auf dem Höhepunkt seines Ruhms war und oft für königliche Mäzene in ganz Europa arbeitete. Die robusten Figuren des Gemäldes, der lebhafte Pinselstrich und die psychologische Einsicht kennzeichnen es als ein typisches Produkt der Barock-Ära.