Nel 1630, Peter Paul Rubens dipinse una scena della mitologia greca che affascinava tanto i mecenati del Rinascimento quanto quelli del Barocco: il momento in cui Achille, travestito da ragazza, viene smascherato tra le figlie del re Licomede. La storia era particolarmente popolare nelle corti d'Europa, dove i temi del travestimento, del genere e del destino risuonavano con i sovrani e i loro consiglieri. La versione di Rubens si distingue per la sua composizione dinamica e l'energia sensuale, ed è uno dei vari trattamenti del soggetto da parte dell'artista e del suo atelier, testimoniando il suo fascino duraturo.

La commissione precisa del dipinto rimane incerta, ma la sua scala e ambizione suggeriscono che fosse destinato a un pubblico esigente e colto. Al centro della scena, Ulisse ha astutamente disposto regali per le donne: tessuti pregiati, gioielli e, cosa cruciale, armi. Mentre le figlie di Licomede sono attratte dalle sete e dagli ornamenti, Achille, incapace di resistere alla sua natura guerriera, afferra la spada. Rubens cattura questo momento cruciale: il gesto di Achille tradisce la sua vera identità, mentre le reazioni sorprese delle donne si agitano intorno a lui in un vortice di colore e movimento.

La muscolarità della forma di Achille, anche in abiti femminili, è un indizio visivo per lo spettatore, che riecheggia la fascinazione di Rubens per il corpo umano in movimento. Rispetto all'interpretazione più contenuta dello stesso mito di Nicolas Poussin, la versione di Rubens è esuberante, quasi teatrale, enfatizzando il dramma rispetto al decoro. La provenienza esatta di questo particolare Achille riconosciuto tra le figlie di Licomede non è completamente documentata, ma opere su questo soggetto di Rubens erano note per circolare tra collezioni principesche nel XVII secolo. Come molte delle tele mitologiche di Rubens, è probabile che sia passata attraverso diverse mani prima di entrare in una importante collezione museale.

Oggi, si erge come un esempio vivido dello stile maturo dell'artista, dipinto durante un periodo in cui era al culmine della sua fama e spesso lavorava per mecenati reali in tutta Europa. Le figure robuste del dipinto, la pennellata vivace e l'intuizione psicologica la contraddistinguono come un prodotto essenziale dell'era Barocca.