Im letzten Jahr seines Lebens vollendete Pierre-Auguste Renoir Baderinnen (Baigneuses), ein Werk, das sowohl seine lange Karriere krönte als auch herausforderte. Was dieses Gemälde bemerkenswert macht, ist, dass Renoir, der von schwerer rheumatoider Arthritis gezeichnet war und mit an seinen Händen befestigten Pinseln malte, darauf bestand, seine bislang ambitionierteste Leinwand zu schaffen – eine immense Feier des Nackten, ein Thema, dem er seit Jahrzehnten nachging. Das Gemälde löste sofortige Debatten aus: Die Kritiker im Jahr 1919, dem Jahr nach seiner Vollendung, waren gespalten, einige lobten seine lebendige Sinnlichkeit, während andere die Formen als zu übertrieben und die Farben als zu kühn empfanden.

Doch für Renoir war es ein Manifest: „Ich bin an dem Punkt angekommen, an dem die Schönheit eines Gemäldes in der Harmonie des Ganzen zu finden ist“, erklärte er. Die Szene entfaltet sich in einer sonnenbeschienenen Lichtung, wo eine Gruppe von Frauen, deren Körper rund und leuchtend sind, sich in einer traumhaften Landschaft entspannen und baden. Renoir wählt einen Moment der ruhigen Muße, frei von Erzählungen oder Mythen, und konzentriert sich stattdessen auf das Zusammenspiel von Fleisch, Licht und Wasser. Die ineinander verschlungenen Gliedmaßen der Figuren und ihre entspannten Posen spiegeln die klassische Tradition des Nackten wider, doch ihre Formen sind weicher, üppiger, als wären sie von der Wärme des Nachmittags geformt.

Das gefleckte Licht flackert über ihre Körper und verwischt die Grenze zwischen Figur und Natur – ein Markenzeichen des späten Impressionismus. Im Gegensatz zu den kühlen, skulpturalen Nackten von Ingres scheinen Renoirs Baderinnen fast in die Landschaft zu zerfließen, ihre Konturen verschmelzen mit dem Laub und dem Himmel. Baderinnen (Baigneuses) wurde nie im Auftrag gemalt; es war ein persönliches Projekt, eine Zusammenfassung von Ideen, die Renoir seit den 1870er Jahren erkundet hatte. Nach seinem Tod im Jahr 1919 blieb das Gemälde bei seiner Familie, bevor es in die Sammlung des Musée d'Orsay in Paris gelangte, wo es heute hängt.

Seine schiere Größe und Kühnheit haben es zu einem Bezugspunkt für Diskussionen über den späten Impressionismus und Renoirs Erbe gemacht. Einige moderne Kritiker sehen es als radikalen Bruch mit seiner früheren, leichteren Berührung, während andere es als den Höhepunkt seiner lebenslangen Suche nach Harmonie zwischen Figur und Landschaft betrachten. Das Gemälde steht als Zeugnis für Renoirs Entschlossenheit und Vision, selbst angesichts seiner gesundheitlichen Probleme.