Als Anthony van Dyck 1620 Christus und die bußfertige Magdalena malte, war er erst einundzwanzig Jahre alt und zog bereits die Aufmerksamkeit von Sammlern und Kennern in ganz Europa auf sich. Dieses Werk gehört zu einer Gruppe von Magdalenen-Gemälden, die Van Dyck früh in seiner Karriere schuf, wobei jedes ein anderes Nuance von Buße und Vergebung erkundet. Das Thema war unter katholischen Mäzenen in den Spanischen Niederlanden beliebt, die in der Geschichte von Maria Magdalena ein kraftvolles Symbol der Erlösung sahen.

Der genaue Auftrag des Gemäldes bleibt ungewiss, doch seine Popularität belegen die Anzahl der Kopien und Versionen, die in den Jahrzehnten nach seiner Entstehung zirkulierten. Im Mittelpunkt der Szene steht der Moment der Begegnung von Maria Magdalena mit dem auferstandenen Christus, oft als "Noli me tangere" ("Berühre mich nicht") bezeichnet, entnommen aus dem Evangelium des Johannes. Van Dyck wählt den Augenblick, in dem Magdalena, überwältigt von Trauer und Ehrfurcht, sich Christus nähert, der sanft mit der Hand zurückgestikuliert. Die Art und Weise, wie der Künstler Magdalenas fließendes Haar und ihre nackten Schultern darstellt, signalisiert ihre Vergangenheit als bußfertige Sünderin, während das Fläschchen mit Salbe an ihrer Seite auf ihren früheren Akt des Salbens der Füße Christi anspielt.

Van Dycks Komposition ist intim, die Figuren in warmes, goldenes Licht getaucht, das die Aufmerksamkeit auf Magdalenas weinendes Gesicht und den mitfühlenden Ausdruck Christi lenkt. Im Vergleich zu Tizians berühmtem Noli me tangere ist Van Dycks Version ruhiger, nachdenklicher und betont Magdalenas emotionale Transformation anstelle einer dramatischen Geste. Die nachfolgende Geschichte von Christus und die bußfertige Magdalena ist weniger gut dokumentiert als einige von Van Dycks grandioseren Aufträgen. Wie viele seiner religiösen Werke aus dieser Zeit dürfte es durch private Sammlungen in Antwerpen oder möglicherweise Genua gegangen sein, wo Van Dyck prägende Jahre verbrachte.

Das Medium des Gemäldes ist ungewiss; Öl auf Leinwand ist wahrscheinlich, angesichts von Van Dycks Praxis, aber sein Überleben bezeugt die anhaltende Anziehungskraft seines Themas und den frühen Stil des Künstlers. Heute wird das Werk als ein Schlüsselbeispiel für Van Dycks Synthese italienischer und flämischer Einflüsse anerkannt, das an der Schwelle zu seinem späteren Ruhm als Porträtmaler der Höhlen Europas steht. Sein genauer Weg durch die Jahrhunderte bleibt ein Thema für weitere Forschungen, aber seine emotionale Klarheit spricht weiterhin über die Zeit hinweg.