Lorsque Anthony van Dyck a peint Christ et la Madeleine pénitente en 1620, il n'avait que vingt et un ans, mais attirait déjà l'attention des collectionneurs et des connaisseurs à travers l'Europe. Cette œuvre appartient à un groupe de peintures de Madeleine que Van Dyck a produites au début de sa carrière, chacune explorant un aspect différent du repentir et du pardon. Le sujet était un favori parmi les mécènes catholiques des Pays-Bas espagnols, qui voyaient dans l'histoire de Marie Madeleine un puissant symbole de rédemption.

La commande exacte de la peinture reste incertaine, mais sa popularité est attestée par le nombre de copies et de versions qui ont circulé dans les décennies suivant sa création. Au cœur de la scène se trouve le moment de la rencontre de Marie Madeleine avec le Christ ressuscité, souvent appelé "Noli me tangere" ("Ne me touche pas"), tiré de l'Évangile de Jean. Van Dyck choisit l'instant où Madeleine, submergée par le chagrin et l'admiration, tend la main vers le Christ, qui lui fait doucement signe de reculer. La manière dont l'artiste traite les cheveux flottants et les épaules nues de Madeleine signale son passé de pécheresse repentie, tandis que le flacon de parfum à ses côtés fait allusion à son acte précédent d'oindre les pieds du Christ.

La composition de Van Dyck est intime, les figures baignées dans une lumière dorée et chaude qui concentre l'attention sur le visage en larmes de Madeleine et l'expression compatissante du Christ. Comparée au célèbre Noli me tangere de Titien, la version de Van Dyck est plus silencieuse, plus introspective, mettant l'accent sur la transformation émotionnelle de Madeleine plutôt que sur un geste dramatique. L'histoire ultérieure de Christ et la Madeleine pénitente est moins bien documentée que certaines des commandes plus grandioses de Van Dyck. Comme beaucoup de ses œuvres religieuses de cette période, elle a probablement circulé dans des collections privées à Anvers ou peut-être à Gênes, où Van Dyck a passé des années formatrices.

Le médium de la peinture est incertain ; l'huile sur toile est probable, compte tenu de la pratique de Van Dyck, mais sa survie témoigne de l'attrait durable de son sujet et du style précoce de l'artiste. Aujourd'hui, l'œuvre est reconnue comme un exemple clé de la synthèse des influences italiennes et flamandes de Van Dyck, se tenant à la croisée de sa renommée ultérieure en tant que portraitiste des cours d'Europe. Son parcours exact à travers les siècles reste un sujet de recherche future, mais sa clarté émotionnelle continue de parler à travers le temps.