Cuando Anthony van Dyck pintó Cristo y la Magdalena penitente en 1620, apenas tenía veintiún años, pero ya estaba atrayendo la atención de coleccionistas y conocedores en toda Europa. Esta obra pertenece a un grupo de pinturas de Magdalena que Van Dyck produjo al inicio de su carrera, cada una explorando un matiz diferente de arrepentimiento y perdón. El tema era un favorito entre los patronos católicos en los Países Bajos españoles, quienes veían en la historia de María Magdalena un poderoso símbolo de redención.

La comisión exacta de la pintura sigue siendo incierta, pero su popularidad se atestigua por el número de copias y versiones que circularon en las décadas posteriores a su creación. En el corazón de la escena se encuentra el momento del encuentro de María Magdalena con el Cristo resucitado, a menudo llamado "Noli me tangere" ("No me toques"), tomado del Evangelio de Juan. Van Dyck elige el instante en que Magdalena, abrumada por el dolor y la admiración, se acerca a Cristo, quien le hace un gesto suave para que se detenga. La forma en que el artista representa el cabello fluido y los hombros desnudos de Magdalena señala su pasado como pecadora penitente, mientras que el frasco de ungüento a su lado alude a su acto anterior de ungir los pies de Cristo.

La composición de Van Dyck es íntima, las figuras bañadas en una luz dorada y cálida que centra la atención en el rostro lloroso de Magdalena y la expresión compasiva de Cristo. En comparación con el famoso Noli me tangere de Tiziano, la versión de Van Dyck es más tranquila, más introspectiva, enfatizando la transformación emocional de Magdalena en lugar de un gesto dramático. La historia posterior de Cristo y la Magdalena penitente está menos documentada que algunas de las comisiones más grandiosas de Van Dyck. Al igual que muchas de sus obras religiosas de este período, probablemente pasó por colecciones privadas en Amberes o posiblemente en Génova, donde Van Dyck pasó años formativos.

El medio de la pintura es incierto; el óleo sobre lienzo es probable, dado el estilo de Van Dyck, pero su supervivencia atestigua el atractivo duradero de su tema y el estilo temprano del artista. Hoy en día, la obra es reconocida como un ejemplo clave de la síntesis de influencias italianas y flamencas de Van Dyck, situándose en el umbral de su posterior fama como retratista de las cortes de Europa. Su viaje exacto a través de los siglos sigue siendo un tema para futuras investigaciones, pero su claridad emocional continúa hablando a través del tiempo.