Als Paolo Veronese um 1580 Hermes, Herse und Aglauros malte, wählte er einen Mythos, der selten in der venezianischen Kunst vorkam, und griff auf Ovids Metamorphosen zurück, um eine Geschichte von Liebe, Eifersucht und göttlicher Bestrafung zu erzählen. Das früheste dokumentierte Zuhause des Gemäldes war die Sammlung der einflussreichen Familie Pisani, die dafür bekannt war, Werke in Auftrag zu geben, die sowohl klassische Gelehrsamkeit als auch zeitgenössische venezianische Pracht feierten. Die Seltenheit dieses Themas in der italienischen Malerei hat Wissenschaftler lange Zeit fasziniert, von denen einige spekulieren, dass die Auswahl eine bewusste Anspielung auf den Geschmack des Sammlers für ungewöhnliche und intellektuell herausfordernde Themen war. Im Zentrum der Szene erscheint Hermes, der Götterbote, in sterblichem Gewand, um Herse, eine der Töchter von Cecrops, dem König von Athen, den Hof zu machen.

Veronese fängt den geladenen Moment ein, als Hermes von der eifersüchtigen Schwester von Herse, Aglauros, konfrontiert wird, die ihm aus Neid den Weg versperrt. Der geflügelte Helm und der Caduceus des Gottes sind unverkennbar, während die sanfte, empfangende Haltung von Herse im Kontrast zur angespannten, hinderlichen Haltung von Aglauros steht. Die opulenten Kostüme und die leuchtende Farbpalette sind typisch für Veronese und spiegeln seinen Ansatz in Werken wie Die Familie Darius vor Alexander wider, wo theatralische Gesten und prächtige Stoffe das Drama verstärken.

Hier erzählt das Zusammenspiel von Blicken und Händen die Geschichte: die Absicht von Hermes, die Unschuld von Herse und den verhängnisvollen Widerstand von Aglauros, der, so das Mythos, bald zu ihrer Verwandlung in Stein führen würde. Die genaue Reise von Hermes, Herse und Aglauros nach seiner Entstehung ist nicht vollständig dokumentiert, aber es ist bekannt, dass es unter venezianischen Sammlern zirkulierte, bevor es im 18. Jahrhundert in eine bedeutende europäische Sammlung gelangte. Die Zuschreibung des Gemäldes an Veronese wurde nie ernsthaft angefochten, dank seiner unverwechselbaren Pinselstriche und kompositorischen Raffinesse.

Heute steht es als Zeugnis für die späte Periode des Künstlers, als er sich zunehmend mythologischen Themen zuwandte und narrative Komplexität mit dem dekorativen Reichtum verband, für den er gefeiert wird. Das Überleben des Werks und die anhaltende Bewunderung unterstreichen sowohl die anhaltende Anziehungskraft klassischer Geschichten als auch den venezianischen Appetit auf Kunst, die das Auge blendet und gleichzeitig den Geist anspricht.