Als Anthony van Dyck 1627 Infantin Isabella Clara Eugenia, Porträt als Witwe malte, waren die Spanischen Niederlande noch von der Todesnachricht des Erzherzogs Albert im Jahr 1621 erschüttert. Isabella, einst die souveräne Herrscherin an der Seite ihres Mannes, entschied sich, das strenge Habit der Klarissen zu tragen, was ihre öffentliche Transformation von politischer Gemahlin zu frommer Witwe markierte. Dieses Porträt wurde zu einem Symbol ihrer neuen Identität, das in den Habsburger Höfen weit verbreitet und kopiert wurde, als visuelle Erklärung ihrer Frömmigkeit und Standhaftigkeit angesichts des Verlusts.

Das Bild war so einflussreich, dass, laut zeitgenössischen Berichten, Höflinge ihr düsteres Kleid nachahmten und so ihre öffentliche Trauer widerspiegelten. Van Dyck fängt Isabella an der Schwelle zwischen weltlicher Macht und religiöser Hingabe ein. Sie steht im Dreiviertelprofil, ihr Gesicht von der strengen weißen Haube und dem schwarzen Schleier der Klarissen umrahmt, die Hände gefaltet und einen Rosenkranz haltend – ein klares Zeichen ihres spirituellen Fokus. Die gedämpfte Farbpalette und die sanfte Modellierung ihrer Züge vermitteln sowohl Würde als auch Verletzlichkeit, während der dunkle Hintergrund sie isoliert und ihren Rückzug aus dem höfischen Leben betont.

Im Gegensatz zu Rubens’ früheren, opulenteren Darstellungen Isabellas ist Van Dycks Ansatz zurückhaltend, fast intim, und lädt den Betrachter ein, über die privaten Kosten öffentlicher Pflichten nachzudenken. Das subtile Spiel von Licht auf ihrem Gesicht und ihren Händen hebt ihre Menschlichkeit hervor, mitten in den Insignien von Macht und Ritual. Die genauen Auftragsdetails dieses Porträts sind ungewiss, aber es ist wahrscheinlich, dass Isabella selbst oder ihr Hof es als Teil ihrer offiziellen Trauerdarstellung angefordert hat. Der Stil und die Ausführung des Gemäldes verorten es fest in Van Dycks früher Antwerpener Periode, vor seinen gefeierten Jahren in England.

Im Laufe der Jahrhunderte sind mehrere Versionen und Kopien aufgetaucht, die von der anhaltenden Resonanz des Bildes in der Habsburger Ikonographie zeugen. Heute wird das Werk als ein Schlüsselbeispiel für Van Dycks Fähigkeit anerkannt, psychologische Einsicht mit den zeremoniellen Anforderungen der königlichen Porträtmalerei zu verbinden, und es bleibt ein Bezugspunkt für das Verständnis der Schnittstelle von Politik, Glauben und Kunst zu Beginn des 17. Jahrhunderts.