Im Sommer 1915, während der Erste Weltkrieg nur hundert Meilen von seinem Garten in Giverny tobte, begann Claude Monet mit der Arbeit an einem neuen Zyklus von Seerosen-Gemälden, die später zu einigen der gefeiertsten Bilder der westlichen Kunst werden sollten. Darunter befindet sich Seerosen und Agapanthus, ein bemerkenswertes Werk, das durch seine schiere Größe und die Art und Weise, wie es die Grenze zwischen Malerei und Umgebung verwischt, auffällt. Im Gegensatz zu den meisten seiner früheren Nymphéas-Gemälde führt dieses Stück die hohen, stacheligen Formen von Agapanthus-Blüten ein, eine neuere Ergänzung zu Monets Garten, die über dem vertrauten Teich emporragt.

Monets Briefe aus dieser Zeit zeigen seinen Entschluss, "einen Rückzugsort für friedliche Meditation" inmitten des Chaos des Krieges zu schaffen. Die Szene, die Monet wählte, ist keine wörtliche Ansicht, sondern ein immersives Fragment: Seerosen treiben in einem sich verändernden Pool, während Agapanthus-Stängel sich über die obere Kante wölben, ihre blauen Blüten scheinen in unsichtbaren Brisen zu schwanken. Der Pinselstrich ist locker, fast fieberhaft, mit Farben—Grün, Blau, Mauve—übereinander geschichtet und geschabt, um ein Gefühl von wässriger Tiefe zu erzeugen. Der Agapanthus, der gen Himmel strebt, fungiert als visueller Kontrapunkt zur horizontalen Ausbreitung der Seerosen und deutet auf einen Dialog zwischen Erde und Luft hin.

Im Gegensatz zu den klaren botanischen Studien von Pierre-Auguste Renoir oder den präzisen Gartenszenen von John Singer Sargent löst Monets Ansatz Grenzen auf und lädt das Auge ein, ohne Anker umherzuwandern. In diesem Moment wird der Garten zu einer Welt für sich, losgelöst von Zeit oder Ort. Die genaue frühe Geschichte von Seerosen und Agapanthus ist nicht vollständig dokumentiert, da Monet zwischen 1914 und 1917 viele große Seerosen-Paneele produzierte und oft an mehreren gleichzeitig in seinem Atelier arbeitete. Einige dieser Leinwände wurden später in die monumentalen Dekorationen der Orangerie in Paris integriert, während andere in seiner Familie blieben oder in private Sammlungen gelangten.

Heute wird dieses Gemälde als ein zentrales Werk aus Monets späterer Periode anerkannt, als sein Augenlicht nachließ, aber seine Ambition aufblühte. Es steht als Zeugnis seiner lebenslangen Besessenheit für Licht, Reflexion und die wechselnden Stimmungen der Natur—eine Besessenheit, die Generationen von Künstlern nach ihm beeinflussen würde.