Nell'estate del 1915, mentre la Prima Guerra Mondiale infuriava a solo cento miglia dal suo giardino a Giverny, Claude Monet iniziò a lavorare a un nuovo ciclo di dipinti di ninfee che sarebbero poi diventati alcune delle immagini più celebrate dell'arte occidentale. Tra queste c'è Ninfee e Agapanto, un'opera notevole per la sua grande scala e per il modo in cui sfuma il confine tra pittura e ambiente. A differenza della maggior parte delle sue precedenti tele di Nymphéas, questo pezzo introduce le alte e appuntite forme dei fiori di agapanto, una recente aggiunta al giardino di Monet, che si ergono sopra lo stagno familiare.

Le lettere di Monet di questo periodo rivelano la sua determinazione a creare "un rifugio di meditazione pacifica" in mezzo al caos della guerra. La scena scelta da Monet non è una vista letterale, ma un frammento immersivo: le ninfee galleggiano in una pozza mutevole, mentre i gambi di agapanto si arcuano lungo il bordo superiore, i loro fiori blu sembrano oscillare in brezze invisibili. La pennellata è sciolta, quasi febbrile, con colori—verdi, blu, malva—stratificati e raschiati per creare un senso di profondità acquatica. L'agapanto, che si erge verso il cielo, funge da controparte visiva all'espansione orizzontale delle ninfee, suggerendo un dialogo tra terra e aria.

A differenza degli studi botanici nitidi di Pierre-Auguste Renoir o delle precise scene di giardino di John Singer Sargent, l'approccio di Monet dissolve i confini, invitando l'occhio a vagare senza ancoraggio. In questo momento, il giardino diventa un mondo a sé stante, sciolto dal tempo o dal luogo. La storia esatta iniziale di Ninfee e Agapanto non è completamente documentata, poiché Monet produsse molti grandi pannelli di ninfee tra il 1914 e il 1917, lavorando spesso su più di uno alla volta nel suo studio. Alcuni di questi dipinti furono successivamente incorporati nelle decorazioni monumentali dell'Orangerie a Parigi, mentre altri rimasero nella sua famiglia o entrarono in collezioni private.

Oggi, questo dipinto è riconosciuto come un'opera fondamentale del periodo tardo di Monet, quando la sua vista stava diminuendo ma la sua ambizione cresceva. Si erge come un testimone della sua ossessione per tutta la vita per la luce, il riflesso e i mutevoli umori della natura—un'ossessione che influenzerebbe generazioni di artisti dopo di lui.