En el verano de 1915, mientras la Primera Guerra Mundial rugía a solo cien millas de su jardín en Giverny, Claude Monet comenzó a trabajar en un nuevo ciclo de pinturas de nenúfares que más tarde se convertirían en algunas de las imágenes más celebradas del arte occidental. Entre ellas se encuentra Nenúfares y Agapanthus, una obra notable por su gran escala y por la forma en que difumina la frontera entre la pintura y el entorno. A diferencia de la mayoría de sus anteriores lienzos de Nymphéas, esta pieza introduce las altas y espigadas formas de las flores de agapanto, una adición reciente al jardín de Monet, que se elevan sobre el estanque familiar.

Las cartas de Monet de este período revelan su determinación de crear "un refugio de meditación pacífica" en medio del caos de la guerra. La escena que eligió Monet no es una vista literal, sino un fragmento inmersivo: los nenúfares flotan en un estanque cambiante, mientras los tallos de agapanto se arquean a lo largo del borde superior, sus flores azules pareciendo mecerse en brisas invisibles. La pincelada es suelta, casi febril, con colores—verdes, azules, malvas—superpuestos y raspados para crear una sensación de profundidad acuática. El agapanto, que se eleva hacia el cielo, actúa como un contrapunto visual a la expansión horizontal de los nenúfares, sugiriendo un diálogo entre la tierra y el aire.

A diferencia de los nítidos estudios botánicos de Pierre-Auguste Renoir o las precisas escenas de jardín de John Singer Sargent, el enfoque de Monet disuelve fronteras, invitando al ojo a vagar sin ancla. En este momento, el jardín se convierte en un mundo en sí mismo, desatado del tiempo o del lugar. La historia temprana exacta de Nenúfares y Agapanthus no está completamente documentada, ya que Monet produjo muchos grandes paneles de nenúfares entre 1914 y 1917, a menudo trabajando en varios a la vez en su estudio. Algunos de estos lienzos fueron posteriormente incorporados a las decoraciones monumentales de la Orangerie en París, mientras que otros permanecieron en su familia o entraron en colecciones privadas.

Hoy en día, esta pintura es reconocida como una obra clave del período tardío de Monet, cuando su vista estaba fallando pero su ambición se disparaba. Se erige como un testimonio de su obsesión de toda la vida con la luz, el reflejo y los cambiantes estados de ánimo de la naturaleza—una obsesión que influiría en generaciones de artistas después de él.