À l'été 1915, alors que la Première Guerre mondiale faisait rage à seulement cent miles de son jardin à Giverny, Claude Monet commença à travailler sur un nouveau cycle de peintures de nénuphars qui deviendra plus tard certaines des images les plus célébrées de l'art occidental. Parmi elles se trouve Nymphéas et Agapanthes, une œuvre remarquable par son échelle et par la manière dont elle brouille la frontière entre peinture et environnement. Contrairement à la plupart de ses précédents tableaux de Nymphéas, cette pièce introduit les formes hautes et épineuses des fleurs d'agapanthe, une addition récente au jardin de Monet, s'élevant au-dessus de l'étang familier.

Les lettres de Monet de cette période révèlent sa détermination à créer "un refuge de méditation paisible" au milieu du chaos de la guerre. La scène choisie par Monet n'est pas une vue littérale, mais un fragment immersif : des nénuphars flottent dans une mare changeante, tandis que les tiges d'agapanthe s'arquent le long du bord supérieur, leurs fleurs bleues semblant osciller dans des brises invisibles. Le coup de pinceau est lâche, presque fiévreux, avec des couleurs—verts, bleus, mauves—superposées et raclées pour créer une sensation de profondeur aquatique. L'agapanthe, s'élevant vers le ciel, agit comme un contrepoint visuel à l'étalement horizontal des nénuphars, suggérant un dialogue entre la terre et l'air.

Contrairement aux études botaniques nettes de Pierre-Auguste Renoir ou aux scènes de jardin précises de John Singer Sargent, l'approche de Monet dissout les frontières, invitant l'œil à errer sans ancre. À ce moment-là, le jardin devient un monde à part entière, détaché du temps ou du lieu. L'histoire précoce exacte de Nymphéas et Agapanthes n'est pas entièrement documentée, car Monet produisit de nombreux grands panneaux de nénuphars entre 1914 et 1917, travaillant souvent sur plusieurs à la fois dans son atelier. Certaines de ces toiles furent plus tard intégrées aux décorations monumentales de l'Orangerie à Paris, tandis que d'autres restèrent dans sa famille ou entrèrent dans des collections privées.

Aujourd'hui, cette peinture est reconnue comme une œuvre pivot de la période tardive de Monet, lorsque sa vue déclinait mais que son ambition s'élevait. Elle se dresse comme un témoignage de son obsession de toute une vie pour la lumière, le reflet et les humeurs changeantes de la nature—une obsession qui influencerait des générations d'artistes après lui.