Als Anthony van Dyck Saint Franziskus von Assisi in Ekstase 1629 malte, war er bereits für seine Porträts des Adels bekannt, wandte sich jedoch hier einem Thema zu, das Künstler seit Generationen fasziniert hatte. Das Gemälde gehört zu einer ausgewählten Gruppe von Darstellungen der mystischen Erfahrungen des Heiligen Franziskus, einem Thema, das von früheren Meistern wie Caravaggio und El Greco popularisiert wurde. Was diese Version bemerkenswert macht, ist, dass sie während van Dycks italienischer Periode gemalt wurde, als er das dramatische Licht und die emotionale Intensität der Barock-Bewegung aus erster Hand aufnahm.

Im Gegensatz zu vielen seiner Zeitgenossen wählte van Dyck einen Moment stiller Verzückung anstelle von offenem Drama und lud die Betrachter in die private Vision des Heiligen ein. Die Szene zeigt den Heiligen Franziskus im genauem Moment, als er die Stigmata, die Wunden Christi, während einer Vision auf dem Monte La Verna im Jahr 1224 empfängt. In einen Strahl goldenes Licht getaucht, signalisiert Franziskus' nach oben gewandtes Gesicht und die offenen Arme Hingabe und Ehrfurcht, während die dunklen, erdigen Töne seines Gewandes ihn in der physischen Welt verankern. Die schwache Silhouette eines Seraphs, kaum sichtbar, schwebt darüber und verbindet Himmel und Erde.

Der Schädel zu Füßen des Franziskus ist ein memento mori, eine Erinnerung an die Sterblichkeit, und die felsige Landschaft evoziert den Rückzug des Heiligen aus dem weltlichen Leben. Im Vergleich zu Caravaggios gewalttätigerem Saint Francis in Ecstasy ist van Dycks Interpretation sanfter und konzentriert sich auf die innere Transformation des Heiligen statt auf körperliches Leiden. Der genaue ursprüngliche Auftraggeber dieses Werkes ist unbekannt, aber Gemälde von Saint Francis waren sowohl bei den Franziskanerorden als auch bei privaten Sammlern im frühen 17. Jahrhundert in Italien sehr begehrt.

Saint Franziskus von Assisi in Ekstase spiegelt van Dycks Synthese italienischer Einflüsse und seiner eigenen nordischen Sensibilität wider und markiert einen entscheidenden Moment vor seiner Rückkehr nach Antwerpen und dem eventualen Umzug nach England. Im Laufe der Jahrhunderte hat das Gemälde verschiedene private Hände und Sammlungen durchlaufen, seine Zuschreibung an van Dyck wurde gelegentlich in Frage gestellt, ist aber jetzt allgemein anerkannt. Heute steht es als Zeugnis für van Dycks Fähigkeit, spirituelle Intensität mit psychologischem Realismus zu verbinden und die Welten religiöser Hingabe und malerischer Innovation zu überbrücken.