1629年、アントワネット・ファン・ダイクが聖フランシスコの恍惚を描いたとき、彼はすでに貴族の肖像画で名を馳せていましたが、ここでは何世代にもわたってアーティストを魅了してきたテーマに目を向けました。この絵画は、カラヴァッジョやエル・グレコのような先人たちによって普及された、聖フランシスコの神秘的な体験を描いた限られた作品群に属しています。このバージョンの特筆すべき点は、ファン・ダイクがイタリア時代に描いたものであり、その時期にバロック運動の劇的な光と感情の強度を直接体験していたことです。同時代の多くのアーティストとは異なり、ファン・ダイクは明白なドラマではなく、静かな恍惚の瞬間を選び、観客を聖人の私的なビジョンに招き入れています。 このシーンは、1224年にラヴェルナ山でのビジョンの中で、聖フランシスコがキリストの傷を受け取る瞬間を捉えています。金色の光の束に包まれたフランシスコの上を向いた顔と開いた腕は、降伏と畏敬を示し、彼の習慣の暗く土っぽい色調は彼を物質的な世界に根付かせています。かすかに見えるセラフィムの輪郭が上空に浮かび、天と地をつなげています。フランシスコの足元にある頭蓋骨は死の記憶であり、死すべき運命を思い起こさせ、岩だらけの風景は聖人が世俗の生活から退避したことを想起させます。カラヴァッジョのより暴力的な恍惚の聖フランシスコと比べて、ファン・ダイクの解釈はより穏やかで、聖人の内面的な変容に焦点を当て、肉体的な苦痛ではなくなっています。 この作品の正確な元のパトロンは不明ですが、17世紀初頭のイタリアでは、聖フランシスコの絵画はフランシスコ会や個人のコレクターに非常に人気がありました。聖フランシスコの恍惚は、ファン・ダイクがイタリアの影響と彼自身の北方の感受性を統合したものであり、彼がアントワープに戻り、最終的にイギリスに移住する前の重要な瞬間を示しています。何世紀にもわたり、この絵画はさまざまな個人の手やコレクションを経てきましたが、ファン・ダイクへの帰属は時折疑問視されることもありましたが、現在では広く受け入れられています。今日、この作品は、ファン・ダイクが精神的な強度と心理的なリアリズムを融合させる能力の証として、宗教的な献身と絵画の革新の世界をつなぐものとして存在しています。