Im Jahr 1888 malte Vincent van Gogh sich selbst in einem Wirbelwind der Selbstprüfung und schuf in nur zwei Jahren mehr als zwanzig Selbstporträts—ein Rekordtempo, das sowohl für seinen unermüdlichen Antrieb als auch für seinen turbulenten Geisteszustand spricht. Unter diesen sticht dieses Selbstporträt von Vincent van Gogh als eines der letzten hervor, die er vor seinem schicksalhaften Umzug nach Arles vollendete, wo seine Kunst neue Farben annehmen und sein Leben neue Herausforderungen mit sich bringen würde. Das Werk hat lange Debatten ausgelöst: Einige Wissenschaftler streiten darüber, ob es sich wirklich um ein Selbstporträt oder eine Darstellung seines Bruders Theo handelt, angesichts der weicheren Züge und der ungewöhnlichen Farbpalette.

Dennoch bleibt der Konsens, dass es van Gogh ist, der sich mit der gleichen Intensität betrachtet, die er jeder Leinwand entgegenbrachte. Der Künstler richtet seinen Blick direkt auf den Betrachter, seine Augen von Müdigkeit und Entschlossenheit umrahmt. Der Pinselstrich ist schnell, fast aufgeregt, mit wirbelnden Strichen aus Blau und Grün, die den Hintergrund und sogar sein eigenes Fleisch beleben. Van Goghs Kleidung ist einfach, aber die kräftigen, unnatürlichen Farben—orangefarbenes Haar, türkisfarbene Schatten—deuten auf seinen Bruch mit dem akademischen Realismus und seine Hinwendung zur Post-Impressionistischen Bewegung hin.

Während frühere Künstler wie Rembrandt Schatten und Licht verwendeten, um das Gesicht zu modellieren, nutzt van Gogh die Farbe selbst, um Emotionen auszudrücken, wodurch der Malakt zu einer Art Beichte wird. Das Ergebnis ist ein Porträt, das weniger über Ähnlichkeit und mehr über das innere Wetter des Künstlers spricht. Im Gegensatz zu vielen Werken, die durch die Hände reicher Gönner oder königlicher Sammlungen reisten, blieb dieses Selbstporträt nach dem Tod des Künstlers im Jahr 1890 weitgehend innerhalb der Familie van Gogh. Es wurde später dem Van Gogh Museum in Amsterdam anvertraut, wo es heute als Zeugnis seiner rastlosen Experimentierfreude während der Arles-Periode hängt.

Die rohe, suchende Qualität des Gemäldes hat es zu einem Bezugspunkt für das Verständnis von van Goghs psychologischem Zustand in den Monaten vor seinem Zusammenbruch gemacht, und es inspiriert weiterhin sowohl Bewunderung als auch Debatten unter Zuschauern und Wissenschaftlern gleichermaßen.