Ein einzelner Speer durchbohrt die Ferse eines Kriegers, dessen Körper noch vor Energie vibriert, eingefroren im Moment des Zusammenbruchs. In Der Tod des Achilles kanalisiert Alexander Rothaug die Spannung des Mythos in eine straff gewickelte Szene: Das Auge wird zuerst auf die muskulöse Figur in der Mitte gezogen, deren Oberkörper sich in einem letzten Aufbäumen des Widerstands windet, selbst wenn das Schicksal ihn bereits markiert hat. Die scharfe Diagonale des Speers, der Glanz seines Helms und die wirbelnden Linien seines Schildes konvergieren auf dieser tödlichen Wunde und machen den Moment der Verwundbarkeit unausweichlich.

Um ihn herum wird das Chaos der Schlacht auf einige Figuren komprimiert — einige weichen zurück, andere sind in Erwartung oder Entsetzen erstarrt — während die drohenden Steinmauern die Handlung einengen und das Gefühl der Unvermeidlichkeit verstärken. Werke wie dieses, ausgeführt in brauner Tinte und Öl in Grisaille über schwarzer Kreide, gehören zu einer Tradition, die bis zu den akademischen und historistischen Bewegungen des 19. und frühen 20. Jahrhunderts in Europa zurückreicht, als Künstler alte Legenden für Szenen von Heldentum und Tragödie nutzten.

Rothaug, der vor 1946 in der deutschsprachigen Welt aktiv war, greift auf die visuelle Sprache klassischer Reliefs und Renaissance-Zeichnungen zurück, jedoch mit einem modernen Touch: Die Anatomie ist übertrieben, die Gewalt unerschütterlich, die Komposition ist klaustrophobisch. Solche Gemälde wurden oft von privaten Sammlern oder öffentlichen Institutionen in Auftrag gegeben, die begierig darauf waren, einen Teil der Größe der Antike zu beanspruchen. Die Geschichte hat von dieser speziellen Leinwand nur wenige Spuren hinterlassen, abgesehen von ihrer technischen Brillanz und ihrem Durchgang durch die Hände von Sammlern, aber ihre Intensität lädt den Betrachter ein, innezuhalten und die Linien von Mythos und Sterblichkeit über jeden Muskel und Stein nachzuvollziehen.