Als Bartolomé Estebán Murillo Der verlorene Sohn, der die Schweine füttert um 1660 malte, begab er sich auf einen seltenen, ehrgeizigen Zyklus von sechs Leinwänden für die Hermandad de la Caridad in Sevilla, eine karitative Bruderschaft, die sich um die Armen und Kranken der Stadt kümmerte. Diese Serie, die der Parabel des verlorenen Sohnes gewidmet ist, gehörte zu den ersten großen narrativen Zyklen in der spanischen Barockmalerei, und Murillos Interpretation würde den Ton für Generationen spanischer religiöser Kunst setzen. Die Mission der Hermandad und Murillos eigene Empathie für die Unterdrückten prägten den emotionalen Kern dieser Werke, die nicht nur als Dekoration, sondern auch als moralische Anleitung für diejenigen gedacht waren, die durch die Hallen der Bruderschaft gingen. Der Moment, den Murillo auswählt, ist einer völligen Verzweiflung: Der verlorene Sohn, der sein Erbe verschwendet hat, ist auf das Hüten von Schweinen reduziert – eine erniedrigende Aufgabe für einen Juden in biblischer Tradition.

In dem Gemälde kniet der junge Mann in zerlumpten Kleidern, die Hände in verzweifeltem Gebet gefaltet, während die Schweine gleichgültig zu seinen Füßen wühlen. Die schlammige, öde Erde und der trübe Himmel drücken auf ihn herab und betonen seine Isolation und seinen Hunger. Murillos sanftes Licht, das sanft auf das Gesicht des Sohnes fällt, deutet auf die Möglichkeit von Gnade und Vergebung hin, ein Motiv, das er mit mehr Wärme behandelt als beispielsweise den härteren, kritischeren Ton von Rembrandts eigenen Szenen des verlorenen Sohnes.

Jedes Detail – die leere Futterkrippe, die fernen Landarbeiter – dient dazu, das Gefühl der Verlassenheit und das Verlangen nach Erlösung zu verstärken. Im Gegensatz zu vielen von Murillos Altären wurde Der verlorene Sohn, der die Schweine füttert für eine karitative Institution und nicht für eine Kirche geschaffen, was die sozialen Anliegen Sevillas in den 1660er Jahren widerspiegelt. Das Gemälde blieb bis zu den napoleonischen Invasionen in der Hermandad de la Caridad, als es geplündert und nach Frankreich gebracht wurde; schließlich wurde es im 19. Jahrhundert nach Spanien zurückgebracht.

Heute ist es Teil der Sammlung des Museo del Prado, wo es als Zeugnis für Murillos Fähigkeit steht, narrative Klarheit mit tiefer Mitgefühl zu verbinden. Dieses Werk markiert einen Wendepunkt in Murillos Karriere, als er von dekorativen Aufträgen zu psychologisch komplexeren, emotional direkteren religiösen Gemälden überging.