Lorsque Bartolomé Estebán Murillo a peint Le Fils Prodigue Nourrissant des Cochons vers 1660, il s'engageait dans un rare et ambitieux cycle de six toiles pour la Hermandad de la Caridad à Séville, une confrérie caritative qui s'occupait des pauvres et des malades de la ville. Cette série, dédiée à la parabole du Fils Prodigue, était l'un des premiers grands cycles narratifs de la peinture baroque espagnole, et l'interprétation de Murillo allait établir le ton pour des générations d'art religieux espagnol. La mission de la Hermandad et l'empathie de Murillo pour les opprimés ont façonné le cœur émotionnel de ces œuvres, qui étaient destinées non seulement à la décoration, mais aussi à l'instruction morale de ceux qui passaient par les couloirs de la confrérie. Le moment choisi par Murillo est celui d'une totale désolation : le fils prodigue, ayant dilapidé son héritage, est réduit à s'occuper de cochons, une tâche humiliante pour un juif dans la tradition biblique.

Dans la peinture, le jeune homme est à genoux dans des vêtements en lambeaux, les mains jointes dans une prière désespérée, tandis que les cochons fouillent indifféremment à ses pieds. La terre boueuse et stérile et le ciel sombre pèsent sur lui, soulignant son isolement et sa faim. La lumière douce de Murillo, tombant délicatement sur le visage du fils, laisse entrevoir la possibilité de grâce et de pardon, un motif qu'il traite avec plus de chaleur que, par exemple, le ton plus sévère et critique des propres scènes du fils prodigue de Rembrandt.

Chaque détail, la mangeoire vide, les paysans au loin, sert à intensifier le sentiment d'abandon et le désir de rédemption. Contrairement à de nombreux retables de Murillo, Le Fils Prodigue Nourrissant des Cochons a été créé pour une institution caritative plutôt que pour une église, reflétant les préoccupations sociales de Séville dans les années 1660. La peinture est restée à la Hermandad de la Caridad jusqu'aux invasions napoléoniennes, lorsqu'elle a été pillée et emportée en France ; elle a finalement été restituée à l'Espagne au XIXe siècle. Aujourd'hui, elle fait partie de la collection du Museo del Prado, où elle se dresse comme un témoignage de la capacité de Murillo à allier clarté narrative et profonde compassion.

Cette œuvre marque un tournant dans la carrière de Murillo, alors qu'il est passé de commandes décoratives à des peintures religieuses plus psychologiquement complexes et émotionnellement directes.