Cuando Bartolomé Estebán Murillo pintó El hijo pródigo alimentando cerdos alrededor de 1660, se embarcaba en un raro y ambicioso ciclo de seis lienzos para la Hermandad de la Caridad en Sevilla, una hermandad benéfica que cuidaba de los pobres y enfermos de la ciudad. Esta serie, dedicada a la parábola del hijo pródigo, fue uno de los primeros ciclos narrativos importantes en la pintura barroca española, y la interpretación de Murillo establecería el tono para generaciones de arte religioso español. La misión de la Hermandad y la propia empatía de Murillo por los oprimidos moldearon el núcleo emocional de estas obras, que estaban destinadas no solo a la decoración, sino como instrucción moral para aquellos que pasaban por los pasillos de la hermandad. El momento que selecciona Murillo es de absoluta desolación: el hijo pródigo, habiendo malgastado su herencia, se ve reducido a cuidar cerdos, una tarea humillante para un judío en la tradición bíblica.

En la pintura, el joven se arrodilla con ropas harapientas, sus manos unidas en una oración desesperada, mientras los cerdos rebuscan indiferentemente a sus pies. La tierra fangosa y estéril y el cielo sombrío presionan sobre él, enfatizando su aislamiento y hambre. La suave luz de Murillo, que cae delicadamente sobre el rostro del hijo, insinúa la posibilidad de gracia y perdón, un motivo que maneja con más calidez que, por ejemplo, el tono más severo y crítico de las propias escenas del hijo pródigo de Rembrandt.

Cada detalle, el comedero vacío, los lejanos campesinos, sirve para intensificar la sensación de abandono y el anhelo de redención. A diferencia de muchas de las obras de altar de Murillo, El hijo pródigo alimentando cerdos fue creado para una institución benéfica en lugar de una iglesia, reflejando las preocupaciones sociales de Sevilla en la década de 1660. La pintura permaneció en la Hermandad de la Caridad hasta las invasiones napoleónicas, cuando fue saqueada y llevada a Francia; finalmente fue devuelta a España en el siglo XIX. Hoy en día, forma parte de la colección del Museo del Prado, donde se erige como un testimonio de la capacidad de Murillo para combinar claridad narrativa con profunda compasión.

Esta obra marca un punto de inflexión en la carrera de Murillo, ya que pasó de comisiones decorativas a pinturas religiosas más complejas psicológicamente y emocionalmente directas.