Im Jahr 1917, als der Erste Weltkrieg nur wenige hundert Kilometer von seinem Garten in Giverny wütete, malte Claude Monet Seerosenteich und Weeping Willow. Was dieses Werk bemerkenswert macht, ist, dass Monet, der damals fast blind aufgrund von Katarakten war und um den Verlust seines Sohnes und seiner Frau trauerte, sich seinem geliebten Teich sowohl als Motiv als auch als Trost zuwandte. Dieses Gemälde gehört zur letzten Serie von Seerosenbildern, die Monet obsessiv überarbeitete—insgesamt über 250—jede eine Meditation über Licht, Wasser und Erinnerung.

Die Trauerweide erscheint häufig in seinen Arbeiten aus dieser Zeit, manchmal als privates Denkmal für Freunde, die im Krieg verloren gingen, interpretiert. In Seerosenteich und Weeping Willow wählt Monet nicht einen klaren, sonnigen Morgen, sondern einen Moment wechselhaften, unsicheren Wetters. Die herabhängenden Äste der Weide ziehen sich über den Teich, ihre Reflexionen lösen sich in den Wellen und Seerosen darunter auf. Der Pinselstrich ist breit, fast fiebrig, als ob Monet sich beeilen würde, das zitternde Zusammenspiel von Schatten und Farbe festzuhalten, bevor es verschwindet.

Im Gegensatz zu den präzisen, spiegelähnlichen Oberflächen in den Gartenszenen von John Singer Sargent verschwommen und verschmelzen Monets Formen, was es schwierig macht zu erkennen, wo der Baum endet und das Wasser beginnt. Der Effekt ist immersiv: Der Betrachter wird in den Blick des Malers hineingezogen, verloren im Akt des Sehens. Die genaue Reise dieses speziellen Gemäldes ist nicht vollständig dokumentiert, und das Medium bleibt ungewiss, obwohl Monets späte Werke typischerweise in Öl auf Leinwand waren. Viele seiner Seerosenbilder waren für sein Atelier bestimmt oder für das Musée de l'Orangerie in Paris vorgesehen, ein Projekt, das er "mein großes Werk" nannte.

Seerosenteich und Weeping Willow steht als Zeugnis für Monets Beharrlichkeit und Innovation in seinen letzten Jahren, als sein nachlassendes Augenlicht ihn zu immer abstrakteren Formen drängte. Heute wird das Gemälde oft als Brücke zwischen dem Impressionismus und den Anfängen der modernen Abstraktion zitiert, dessen verschwommene Grenzen und emotionale Intensität durch die Kunst des zwanzigsten Jahrhunderts widerhallen.