En 1917, alors que la Première Guerre mondiale faisait rage à quelques centaines de kilomètres de son jardin à Giverny, Claude Monet peignait Étang de Nénuphars et Saule Pleureur. Ce qui rend cette œuvre remarquable, c'est que Monet, alors presque aveugle à cause de la cataracte et en deuil de son fils et de sa femme, se tourna vers son étang bien-aimé comme à la fois sujet et réconfort. Cette peinture fait partie de la dernière série de toiles de nénuphars que Monet a revisitée de manière obsessionnelle—plus de 250 au total—chacune étant une méditation sur la lumière, l'eau et la mémoire.

Le saule pleureur apparaît fréquemment dans ses œuvres de cette période, parfois interprété comme un mémorial privé à des amis perdus dans la guerre. Dans Étang de Nénuphars et Saule Pleureur, Monet choisit non pas un matin clair et ensoleillé, mais un moment de temps incertain et changeant. Les branches tombantes du saule s'étendent sur l'étang, leurs reflets se dissolvant dans les ondulations et les nénuphars en dessous. Le coup de pinceau est large, presque fiévreux, comme si Monet se précipitait pour capturer l'interaction tremblante d'ombre et de couleur avant qu'elle ne disparaisse.

Contrairement aux surfaces précises et miroir des scènes de jardin de John Singer Sargent, les formes de Monet se brouillent et se fondent, rendant difficile de dire où l'arbre se termine et où l'eau commence. L'effet est immersif : le spectateur est attiré dans le regard du peintre, perdu dans l'acte de voir. Le parcours exact de cette peinture particulière n'est pas entièrement documenté, et le médium reste incertain, bien que les dernières œuvres de Monet aient généralement été à l'huile sur toile. Beaucoup de ses peintures de nénuphars étaient destinées à son atelier ou au Musée de l'Orangerie à Paris, un projet qu'il appelait "mon grand œuvre".

Étang de Nénuphars et Saule Pleureur se dresse comme un témoignage de la persistance et de l'innovation de Monet dans ses dernières années, lorsque sa vue déclinante l'a poussé vers des formes de plus en plus abstraites. Aujourd'hui, la peinture est souvent citée comme un pont entre l'Impressionnisme et les débuts de l'abstraction moderne, ses contours flous et son intensité émotionnelle résonnant à travers l'art du vingtième siècle.