1917年、第一次世界大戦が彼のジヴェルニーの庭から数百キロの距離で激化している中、クロード・モネは睡蓮の池と涙の柳を描きました。この作品が特別な理由は、当時白内障でほぼ失明し、息子と妻を失った悲しみに暮れていたモネが、愛する池を主題とし、心の慰めとして向き合ったからです。この絵は、モネが執拗に再訪した睡蓮のキャンバスの後期シリーズに属し、合計で250点以上、光、水、記憶についての瞑想を表現しています。この時期の作品には涙の柳が頻繁に登場し、時には戦争で失った友人への私的な追悼として解釈されることもあります。 睡蓮の池と涙の柳では、モネは鮮明で日差しのある朝ではなく、変わりやすく不確かな天候の瞬間を選びました。柳の垂れた枝が池を横切り、その反映が水面の波紋や睡蓮に溶け込んでいきます。筆致は広く、ほとんど熱狂的で、モネが影と色の揺れ動く相互作用を捉えようと急いでいるかのようです。ジョン・シンガー・サージェントの庭のシーンに見られる正確で鏡のような表面とは異なり、モネの形はぼやけて融合し、木の端と水の始まりを見分けるのが難しくなっています。その効果は没入感を生み出し、観客は画家の視線に引き込まれ、見る行為に迷い込んでいきます。 この特定の絵画の正確な経緯は完全には記録されておらず、媒介も不確かですが、モネの晩年の作品は通常、キャンバスに油彩で描かれています。彼の多くの睡蓮の絵は、彼のアトリエのために意図されたか、パリのオランジュリー美術館に送られる運命にあり、彼が「私の大作」と呼んだプロジェクトの一部です。睡蓮の池と涙の柳は、視力の低下が彼をますます抽象的な形に向かわせた晩年のモネの粘り強さと革新の証です。今日、この絵は印象派と現代の抽象芸術の始まりとの橋渡しとしてしばしば引用され、そのぼやけた境界と感情の強度が20世紀の芸術に響き渡っています。