1917년, 제1차 세계 대전이 그의 지베르니 정원에서 불과 몇 백 킬로미터 떨어진 곳에서 격렬하게 진행되고 있을 때, 클로드 모네는 수련 연못과 눈물의 버드나무를 그렸습니다. 이 작품이 주목받는 이유는, 당시 백내장으로 거의 실명 상태였고 아들과 아내를 잃은 슬픔에 잠겨 있던 모네가 사랑하는 연못을 주제로 삼아 위안으로 삼았기 때문입니다. 이 그림은 모네가 집착적으로 재방문한 수련 캔버스의 후기 시리즈에 속하며, 총 250점 이상으로, 각각은 빛, 물, 기억에 대한 명상입니다.

이 시기의 작품에는 눈물의 버드나무가 자주 등장하며, 때때로 전쟁에서 잃은 친구들에 대한 개인적인 추모로 해석되기도 합니다. 수련 연못과 눈물의 버드나무에서 모네는 맑고 햇살 가득한 아침이 아닌, 변화무쌍하고 불확실한 날씨의 순간을 선택합니다. 버드나무의 처진 가지가 연못을 가로지르며, 그 반영이 물결과 수련 속으로 녹아듭니다. 붓놀림은 넓고, 거의 열광적이며, 모네가 그림자가 색과 떨리는 상호작용을 포착하기 위해 서두르는 듯한 느낌을 줍니다.

존 싱어 사전트의 정원 장면에서 볼 수 있는 정밀하고 거울 같은 표면과는 달리, 모네의 형태는 흐릿하게 섞여 있어 나무의 끝과 물의 시작을 구별하기 어렵습니다. 이러한 효과는 몰입감을 주며, 관객은 화가의 시선에 끌려 들어가 시각의 행위에 빠져듭니다. 이 특정 그림의 정확한 여정은 완전히 기록되어 있지 않으며, 매체도 불확실하지만, 모네의 후기 작품은 일반적으로 캔버스에 유화로 제작되었습니다. 그의 많은 수련 그림은 그의 작업실을 위해 의도되었거나 파리의 오랑주리 미술관으로 보내질 운명이었으며, 그는 이를 '나의 위대한 작품'이라고 부른 프로젝트의 일부였습니다.

수련 연못과 눈물의 버드나무는 시력이 저하되면서 점점 더 추상적인 형태로 나아갔던 모네의 마지막 시기의 끈기와 혁신을 증명합니다. 오늘날 이 그림은 인상파와 현대 추상 예술의 시작 사이의 다리로 자주 인용되며, 그 흐릿한 경계와 감정의 강도가 20세기 예술에 울려 퍼집니다.