Als Pierre-Auguste Renoir 1907 Frau beim Kämmen der Haare malte, befand er sich tief in dem, was Kritiker heute als seine "späte Periode" bezeichnen—eine Zeit, in der seine Hände durch rheumatoide Arthritis beeinträchtigt waren, er jedoch weiterhin mit an seinen Handgelenken befestigten Pinseln malte. Dieses Werk gehört zu einer Reihe von intimen Studien von Frauen bei ihrer Toilette, einem Thema, dem Renoir in seinen letzten Jahren obsessiv nachging. Im Gegensatz zu seiner früheren, leichteren impressionistischen Technik umarmt er hier eine üppige, fast skulpturale Handhabung der Form, als würde er Fleisch mit Farbe modellieren.

Die Identität des Modells bleibt ungewiss, obwohl einige glauben, sie sei eine der jungen Frauen gewesen, die sein Studio in Cagnes-sur-Mer besuchten, wo das mediterrane Licht eine neue Wärme in seine Palette inspirierte. Die Szene fängt ein privates Ritual ein: eine Frau, vertieft in den einfachen Akt, einen Kamm durch ihr Haar zu ziehen. Renoir wählt einen Moment unbefangener Anmut, der Kopf des Modells geneigt, der Arm erhoben, die Kurve ihres Rückens, die die runden Formen widerspiegelt, die die Komposition füllen. Das Licht streichelt ihre Haut und verleiht ihr einen perligen Glanz, während der Hintergrund in sanfte, unbestimmte Farben zerfließt.

Der Fokus liegt auf dem taktilen Vergnügen der Farbe—wie Fleisch, Haar und Stoff scheinbar miteinander verschmelzen. Im Vergleich zu Edgar Degas' schärferen, analytischeren Studien von Frauen bei ihrer Toilette ist Renoirs Ansatz sanfter, weniger besorgt um die Realitäten von Arbeit oder Müdigkeit, und mehr um die Sinnlichkeit des Alltags. Frau beim Kämmen der Haare wurde zu Lebzeiten von Renoir nie ausgestellt, und ihre frühe Provenienz ist unklar—ein häufiges Schicksal vieler Werke aus seiner späten Periode, die oft direkt aus dem Atelier an private Sammler verkauft wurden. Ihr Medium ist ungewiss, obwohl die meisten von Renoirs Werken aus dieser Zeit Öl auf Leinwand sind.

Heute wird das Gemälde als Teil der Erkundung der weiblichen Form durch den Künstler anerkannt, ein zentrales Thema, das ihn bis zu seinem Tod 1919 beschäftigte. Es steht als Zeugnis für seine Resilienz und sich entwickelnde Vision, die den luftigen Touch des Impressionismus mit einem solideren, fast klassischen Gefühl für Volumen verbindet. Das Gemälde hängt jetzt in einer Privatsammlung, seine sanfte Intimität für den seltenen Betrachter bewahrt.