Lorsque Pierre-Auguste Renoir a peint Femme peignant ses cheveux en 1907, il était profondément engagé dans ce que les critiques appellent maintenant sa "période tardive"—une époque où ses mains étaient paralysées par l'arthrite rhumatoïde, mais il continuait à peindre avec des pinceaux attachés à ses poignets. Cette œuvre fait partie d'une série d'études intimes de femmes à leur toilette, un thème auquel Renoir est revenu de manière obsessionnelle dans ses dernières années. Contrairement à sa technique impressionniste plus légère, ici il adopte une manipulation luxuriante, presque sculpturale de la forme, comme s'il modelait la chair avec de la couleur.

L'identité du modèle reste incertaine, bien que certains croient qu'elle était l'une des jeunes femmes qui fréquentaient son atelier à Cagnes-sur-Mer, où la lumière méditerranéenne a inspiré une nouvelle chaleur dans sa palette. La scène capture un rituel privé : une femme, absorbée dans l'acte simple de passer un peigne dans ses cheveux. Renoir choisit un moment de grâce désinhibée, la tête du modèle inclinée, son bras levé, la courbe de son dos faisant écho aux formes arrondies qui remplissent la composition. La lumière caresse sa peau, lui donnant une lueur nacrée, tandis que l'arrière-plan se dissout dans une couleur douce et indistincte.

L'accent est mis sur le plaisir tactile de la peinture—la façon dont la chair, les cheveux et le tissu semblent fondre ensemble. Comparé aux études plus nettes et analytiques de Edgar Degas sur les femmes à leur toilette, l'approche de Renoir est plus douce, moins préoccupée par les réalités du travail ou de la fatigue, et plus par la sensualité de la vie quotidienne. Femme peignant ses cheveux n'a jamais été exposée de son vivant, et sa provenance précoce est incertaine—un destin commun à de nombreuses œuvres de sa période tardive, qui étaient souvent vendues directement de l'atelier à des collectionneurs privés. Son médium est incertain, bien que la plupart des œuvres de Renoir de cette époque soient des huiles sur toile.

Aujourd'hui, la peinture est reconnue comme faisant partie de l'exploration par l'artiste de la forme féminine, un thème central qui l'a préoccupé jusqu'à sa mort en 1919. Elle se dresse comme un témoignage de sa résilience et de sa vision en évolution, reliant le toucher aérien de l'Impressionnisme à un sens plus solide, presque classique, du volume. La peinture est maintenant accrochée dans une collection privée, son intimité douce préservée pour le rare spectateur.