Pocas pinturas de la Edad de Oro española están tan estrechamente vinculadas a la ambición real como Asher de Francisco de Zurbarán. En 1645, Zurbarán recibió el encargo de producir una serie de retratos que representaban a los doce hijos de Jacob para el Monasterio de Guadalupe, un proyecto que se cree que refleja el deseo de la corona española de alinearse con los patriarcas bíblicos y la idea de una nación elegida. Esta serie es notable no solo por su escala—doce grandes lienzos—sino también por el hecho de que las identidades de algunas de las figuras, incluido Asher, fueron reconstruidas a partir de escasas descripciones bíblicas, dejando mucho a la imaginación del artista. Zurbarán captura a Asher en un momento de tranquila dignidad, de pie en ricas y oscuras vestiduras, con una cesta de pan a sus pies.

Según el Génesis, Asher fue bendecido con "comida rica" y abundancia, y Zurbarán insinúa este legado a través de la inclusión de panes y el gesto suave y abierto de las manos de Asher. La luz cae pesadamente desde la izquierda, esculpiendo los pliegues de las vestiduras y otorgando a la figura una presencia escultórica—un efecto que recuerda a Caravaggio, cuya influencia se puede ver en los contrastes marcados y la gravedad psicológica. A diferencia de tratamientos anteriores, más decorativos, de los patriarcas, el Asher de Zurbarán es austero, casi monástico, invitando a la contemplación en lugar de la mera admiración. El viaje de Asher como objeto refleja el destino de muchas pinturas religiosas españolas: tras la supresión de los monasterios en el siglo XIX, la serie se dispersó, y las obras individuales terminaron en diversas colecciones a través de Europa y las Américas.

Mientras que algunos de los patriarcas de Zurbarán permanecen en manos privadas o han desaparecido, Asher se conserva hoy, permitiendo a los espectadores apreciar tanto su intención espiritual como sus cualidades pictóricas. La pintura se erige como un testimonio de la capacidad de Zurbarán para dotar incluso a figuras bíblicas poco conocidas de gravedad y presencia, y marca un punto culminante en su carrera como pintor de temas religiosos para los patronos más poderosos de España.