Cuando Rembrandt van Rijn pintó Saskia como Flora en 1641, inmortalizó a su esposa en la figura de la diosa romana de la primavera y las flores, un gesto tanto íntimo como público. No era la primera vez que Rembrandt representaba a Saskia en el papel de Flora; existen al menos otros dos retratos, pero esta versión, pintada justo un año antes de la muerte de Saskia, es ampliamente considerada como la más personal. La pintura se sitúa en la intersección del amor y la pérdida, y algunos estudiosos han debatido si fue concebida como una celebración de su unión o como un memorial a medida que la salud de Saskia se deterioraba. En la pintura, Saskia es capturada en un momento de suave ensueño, acunando un lujoso ramo de flores en sus brazos.

La corona de flores en su cabello y la exuberante guirnalda que cuelga de su hombro no son meramente decorativas; señalan el poder de Flora para renovar la vida, un motivo que habría resonado profundamente para Rembrandt a medida que la vitalidad de Saskia se desvanecía. La rica luz dorada baña su rostro y manos, atrayendo al espectador hacia la calidez y la inmediatez de su presencia. A diferencia de la anterior Flora de Tiziano, donde la diosa es una figura de seducción sensual, la Saskia de Rembrandt es serena, su mirada suave e introspectiva, convirtiendo el tema mitológico en un vehículo de afecto personal. La comisión exacta o la propiedad temprana de Saskia como Flora sigue siendo incierta, algo típico de muchas obras personales de Rembrandt de este período.

Es probable que la pintura estuviera destinada a un disfrute privado, quizás guardada en la propia casa del artista. A lo largo de los siglos, la pintura cambió de manos múltiples veces, pasando por varias colecciones antes de entrar en el ámbito público. Hoy en día, se erige como un testimonio de la capacidad de Rembrandt para fusionar la narrativa personal con la tradición mitológica, y de su fascinación duradera por Saskia como musa y mito.