Quando Rembrandt van Rijn dipinse Saskia come Flora nel 1641, immortalò sua moglie nei panni della dea romana della primavera e dei fiori, un gesto sia intimo che pubblico. Non era la prima volta che Rembrandt rappresentava Saskia nel ruolo di Flora; esistono almeno altri due ritratti, ma questa versione, dipinta solo un anno prima della morte di Saskia, è ampiamente considerata la più personale. Il dipinto si colloca all'incrocio tra amore e perdita, e alcuni studiosi hanno dibattuto se fosse destinato a celebrare la loro unione o a fungere da memoriale mentre la salute di Saskia declinava. Nel dipinto, Saskia è catturata in un momento di dolce sogno, cullando un sontuoso mazzo di fiori tra le braccia.

La corona di fiori nei suoi capelli e la lussureggiante ghirlanda che pende dalla sua spalla non sono meramente decorative; segnalano il potere di Flora di rinnovare la vita, un motivo che avrebbe risuonato profondamente per Rembrandt mentre la vitalità di Saskia svaniva. La ricca luce dorata avvolge il suo viso e le sue mani, attirando lo spettatore nel calore e nell'immediatezza della sua presenza. A differenza della precedente Flora di Tiziano, dove la dea è una figura di seduzione sensuale, la Saskia di Rembrandt è serena, il suo sguardo dolce e introspettivo, rendendo il soggetto mitologico un veicolo di affetto personale. La commissione esatta o la prima proprietà di Saskia come Flora rimane incerta, tipico di molte opere personali di Rembrandt di questo periodo.

È probabile che il dipinto fosse destinato a un godimento privato, forse conservato nella casa dell'artista. Nel corso dei secoli, il dipinto è passato di mano più volte, transitando attraverso varie collezioni prima di entrare nella sfera pubblica. Oggi, si erge come un testimone della capacità di Rembrandt di mescolare la narrazione personale con la tradizione mitologica e della sua duratura fascinazione per Saskia come musa e mito.