Lorsque Rembrandt van Rijn a peint Saskia en Flora en 1641, il a immortalisé sa femme sous les traits de la déesse romaine du printemps et des fleurs, un geste à la fois intime et public. Ce n'était pas la première fois que Rembrandt représentait Saskia dans le rôle de Flora ; au moins deux autres portraits existent, mais cette version, peinte juste un an avant la mort de Saskia, est largement considérée comme la plus personnelle. La peinture se situe à l'intersection de l'amour et de la perte, et certains chercheurs ont débattu de savoir si elle était destinée à célébrer leur union ou à servir de mémorial alors que la santé de Saskia se dégradait. Dans la peinture, Saskia est capturée dans un moment de douce rêverie, berçant un somptueux bouquet de fleurs dans ses bras.

La couronne de fleurs dans ses cheveux et la guirlande luxuriante drapée sur son épaule ne sont pas simplement décoratives ; elles signalent le pouvoir de Flora de renouveler la vie, un motif qui aurait profondément résonné pour Rembrandt alors que la vitalité de Saskia s'estompe. La riche lumière dorée baigne son visage et ses mains, attirant le spectateur dans la chaleur et l'immédiateté de sa présence. Contrairement à la précédente Flora de Titien, où la déesse est une figure de séduction sensuelle, la Saskia de Rembrandt est sereine, son regard doux et introspectif, faisant du sujet mythologique un véhicule d'affection personnelle. La commande exacte ou la propriété initiale de Saskia en Flora reste incertaine, ce qui est typique de nombreuses œuvres personnelles de Rembrandt de cette période.

Il est probable que la peinture ait été destinée à un plaisir privé, peut-être conservée dans la maison de l'artiste. Au fil des siècles, la peinture a changé de mains plusieurs fois, passant par diverses collections avant d'entrer dans la sphère publique. Aujourd'hui, elle se dresse comme un témoignage de la capacité de Rembrandt à mêler récit personnel et tradition mythologique, et de sa fascination durable pour Saskia en tant que muse et mythe.