Quando Rembrandt van Rijn pintou Saskia como Flora em 1641, ele imortalizou sua esposa na figura da deusa romana da primavera e das flores, um gesto tanto íntimo quanto público. Esta não foi a primeira vez que Rembrandt colocou Saskia no papel de Flora; existem pelo menos outros dois retratos, mas esta versão, pintada apenas um ano antes da morte de Saskia, é amplamente vista como a mais pessoal. A pintura está na interseção do amor e da perda, e alguns estudiosos debateram se foi concebida como uma celebração da união deles ou como um memorial à medida que a saúde de Saskia se deteriorava. Na pintura, Saskia é capturada no momento de suave devaneio, segurando um luxuoso buquê de flores em seus braços.

A coroa de flores em seu cabelo e a exuberante guirlanda que cai sobre seu ombro não são meramente decorativas; elas sinalizam o poder de Flora de renovar a vida, um motivo que teria ressoado profundamente para Rembrandt à medida que a vitalidade de Saskia diminuía. A rica luz dourada banha seu rosto e mãos, atraindo o espectador para a calorosidade e a imediata presença dela. Ao contrário da Flora anterior de Tiziano, onde a deusa é uma figura de sedução sensual, a Saskia de Rembrandt é serena, seu olhar suave e introspectivo, tornando o tema mitológico um veículo de afeto pessoal. A comissão exata ou a propriedade inicial de Saskia como Flora permanece incerta, típico de muitas obras pessoais de Rembrandt desse período.

É provável que a pintura tenha sido destinada ao prazer privado, talvez guardada na própria casa do artista. Ao longo dos séculos, a pintura passou por várias mãos, transitando por diversas coleções antes de entrar na esfera pública. Hoje, ela se ergue como um testemunho da capacidade de Rembrandt de misturar narrativa pessoal com tradição mitológica, e de sua duradoura fascinação por Saskia como musa e mito.