En 1636, Peter Paul Rubens fue comisionado por el rey Felipe IV de España para crear una serie de pinturas mitológicas para la nueva casa de caza en Torre de la Parada, justo fuera de Madrid. Entre estas, El rapto de Proserpina destaca por su energía dinámica y el drama concentrado en un solo momento. Rubens estaba en la cúspide de su fama, manejando a mecenas reales por toda Europa, y su taller era un hervidero de actividad, tanto que se produjeron múltiples versiones y copias de sus escenas mitológicas para diversas cortes.

El tema de la pintura, extraído de las Metamorfosis de Ovidio, era un favorito en el arte barroco, pero la interpretación de Rubens está especialmente cargada de movimiento y emoción. En el corazón del lienzo, Plutón, dios del inframundo, se apodera de la joven Proserpina y la arrastra en su carro, mientras sus brazos se agitan en una protesta desesperada. Los caballos se levantan y retuercen, reflejando el caos del rapto, mientras un grupo de ninfas y putti se dispersa alarmado. Rubens utiliza drapeados en espiral y formas musculosas para intensificar la sensación de movimiento violento, y el juego de luces sobre la carne y la armadura intensifica el drama.

La mano extendida de Proserpina, que se aferra al mundo que está dejando atrás, se convierte en el foco emocional: un gesto de anhelo y terror. Comparado con la escultura de mármol de Gian Lorenzo Bernini sobre el mismo tema, la versión de Rubens se centra menos en la fría permanencia del mármol y más en el momento fugaz y explosivo de la pérdida. La pintura original fue creada como parte del ciclo decorativo para Torre de la Parada, pero el destino de muchas obras de esa serie es complicado: algunas se perdieron, otras se dispersaron o fueron reatribuidas a lo largo de los siglos. Se cree que la versión atribuida a Rubens reside hoy en el Museo del Prado, aunque los estudiosos señalan que la participación del taller era común en grandes comisiones de este tipo.

El rapto de Proserpina ejemplifica el estilo tardío de Rubens, cuando sus composiciones se volvieron aún más enérgicas y teatrales, y sus pinturas mitológicas estaban en alta demanda en toda Europa. La pintura sigue siendo un vívido testimonio de la fascinación barroca por el mito, el movimiento y el cuerpo humano en extremis.