Peu d'œuvres attribuées à Peter Paul Rubens ont suscité autant de confusion que Ascension, datée de 1751—près d'un siècle après la mort de l'artiste en 1640. La date de la peinture a donné lieu à de longs débats parmi les chercheurs : s'agit-il d'une œuvre tardive perdue, d'une pièce de studio posthume ou d'une copie ultérieure inspirée par le style de Rubens ? Les catalogues du Prado du XIXe siècle la répertorient comme "après Rubens", mais sa composition dramatique et sa couleur lumineuse ont maintenu la conversation sur l'influence du grand maître bien au-delà de l'ère moderne. Au cœur de Ascension se trouve le moment où le Christ s'élève de la terre, ses pieds quittant à peine le sol rocailleux, tandis que ses apôtres protègent leurs yeux de la radiance au-dessus. Rubens—ou l'artiste qui l'a suivi—choisit l'instant du départ : les bras du Christ sont étendus en bénédiction, ses vêtements pris dans un tourbillon d'or et de rouge, tandis qu'une multitude de chérubins l'élèvent vers le ciel.

Les apôtres, regroupés en bas, sont rendus avec le dynamisme rubensien : visages expressifs, gestes dynamiques et un sentiment palpable d'émerveillement. La composition fait écho à L'Élévation de la Croix de Rubens, avec ses figures musclées et son éclairage théâtral, mais ici, l'accent est mis sur le mouvement ascendant et l'interaction entre la douleur terrestre et la promesse céleste. La provenance de la peinture reste incertaine. Aucun enregistrement d'une commande ou d'une propriété précoce n'a survécu, et le médium inconnu—probablement de l'huile, mais non confirmé—ajoute au mystère.

Elle est entrée dans la collection du Prado au XIXe siècle, cataloguée comme une œuvre "dans le style de Rubens", et a depuis été l'objet d'analyses techniques et de débats académiques. Que ce soit par la main de Rubens lui-même, son atelier ou un admirateur ultérieur, Ascension se dresse comme un témoignage du pouvoir durable de sa vision et de la fascination persistante pour son héritage dans la tradition baroque européenne.