Lorsque Claude Monet a exposé pour la première fois Camille en robe verte au Salon de 1866, cela a été une sensation immédiate, lançant à la fois sa carrière publique et celle de son modèle, Camille Doncieux. Les critiques ont été frappés par l'audace et la modernité de la peinture ; l'un d'eux l'a même décrite comme "une étude en vert", s'émerveillant de l'audace de sa palette et de ses coups de pinceau. La renommée de la peinture était telle qu'elle aurait permis à Monet d'obtenir une commande de l'art marchand Louis Latouche, qui a acheté l'œuvre directement au Salon.

Ce succès précoce a été un rare triomphe pour un jeune artiste encore en difficulté financière et artistique aux marges du monde de l'art officiel. La peinture capture Camille, la compagne et plus tard épouse de Monet, dans un moment de mouvement maîtrisé : elle se tourne légèrement, sa main gantée tenant un manteau à bord de fourrure, son regard dirigé juste au-delà du spectateur. La soie verte de sa robe, rendue dans des tons chatoyants et superposés, domine la composition, interrompue seulement par les accents sombres de ses accessoires et le subtil jeu de lumière sur le tissu. Le choix de Monet de se concentrer sur la tenue à la mode et le geste fugace de se tourner évoque l'énergie de la vie parisienne dans les années 1860.

Contrairement aux portraits statiques et formels de Jean-Auguste-Dominique Ingres, la Camille de Monet est vivante avec immédiateté, sa présence se fait sentir dans le tourbillon de tissu et la suggestion d'un mouvement sur le point de se produire. Après son apparition au Salon, Camille en robe verte est rapidement devenue l'une des œuvres les plus reconnues de la carrière précoce de Monet. La peinture est restée entre des mains privées pendant de nombreuses années, passant par plusieurs collections avant d'entrer à la Kunsthalle Bremen en Allemagne, où elle est exposée aujourd'hui. Son acclamation précoce a contribué à cimenter la réputation de Monet et a marqué un tournant dans l'acceptation du mouvement Impressionniste émergent.

L'œuvre se dresse à la fois comme un hommage personnel et une déclaration publique : l'amour d'un artiste, immortalisé dans la peinture, et une affirmation audacieuse d'une nouvelle façon de voir.