Dans les dernières années de sa vie, Claude Monet est revenu encore et encore au jardin d'eau de sa maison à Giverny, produisant une série de peintures qui deviendraient son projet le plus ambitieux et personnel. Parmi ces œuvres tardives, Le Bassin aux nymphéas avec iris se distingue par sa rare inclusion d'iris—des fleurs que Monet lui-même avait plantées sur les rives de son étang. Peinte en 1918, alors que la Première Guerre mondiale touchait à sa fin, l'œuvre fait partie du vaste cycle que Monet envisageait comme un "grand tout décoratif", une vision qu'il a décrite dans des lettres à des amis et qui culminerait plus tard dans les panneaux monumentaux maintenant au Musée de l'Orangerie. Ici, Monet capture son jardin à un moment de croissance luxuriante, presque écrasante.

L'œil du spectateur dérive à travers l'étang, où les nénuphars flottent en grappes, leurs formes pâles se reflétant à la surface changeante. À l'extrémité inférieure, un jet d'iris s'élève audacieusement, ses pétales bleu-violet ancrant la composition et offrant un contraste saisissant avec les verts et roses plus doux des nénuphars. Le coup de pinceau de Monet est lâche et rapide, dissolvant les frontières entre l'eau, le ciel et le feuillage, de sorte que la scène semble à la fois immédiate et insaisissable.

Contrairement aux représentations antérieures de nénuphars par Monet ou aux scènes de jardin plus structurées de Pierre-Auguste Renoir, cette peinture plonge le spectateur dans un monde où les formes et les reflets sont inséparables, suggérant la fascination de l'artiste pour les effets changeants de la lumière et de la couleur. Le parcours physique de Le Bassin aux nymphéas avec iris est moins documenté que celui de certains des panneaux plus grands de Monet, mais il est typique des toiles plus petites qu'il peignait pour lui-même et un cercle restreint d'admirateurs. Beaucoup de ces œuvres tardives sont restées dans l'atelier de Monet à Giverny jusqu'à sa mort en 1926, après quoi elles ont intégré des collections privées et publiques par le biais de ventes et de legs. Aujourd'hui, les peintures de cette série sont largement dispersées, chéries pour la manière dont elles encapsulent le dialogue de toute une vie de Monet avec la nature et la perception.

En tant qu'œuvre peinte à l'ombre de la guerre et de la perte personnelle, cette toile marque également l'aboutissement de la carrière de Monet, lorsque son art est devenu un refuge et un dernier acte de dévotion au monde qu'il avait créé dans son jardin.