Lorsque Danse de la Nuit de Midsummer à Courrières a été présentée pour la première fois au Salon de 1876, les critiques ont été frappés par sa célébration inhabituelle de la festivité rurale, un sujet rarement traité avec une telle grandeur dans la peinture académique française de l'époque. L'œuvre a attiré des foules non seulement pour son échelle, mais aussi pour sa représentation d'un événement réel : la danse annuelle de la veille de la Saint-Jean dans le village français du nord de Courrières, où est né le propre Jules Breton. Plutôt que d'idéaliser la vie paysanne, Breton a peint à partir de l'observation directe, mêlant réalisme à une douce lyrique qui le distinguait à la fois des impressionnistes urbains et des peintres académiques plus sentimentaux.

La peinture a été largement discutée dans la presse, un critique de Le Figaro notant sa "poésie véridique". La scène se déroule au crépuscule, alors que les villageois—jeunes et vieux—se tiennent par la main en cercle sur la pelouse ouverte, leurs visages illuminés par les derniers rayons de soleil du solstice d'été. Au centre, un violoniste se tient sur une plateforme improvisée, son archet suspendu dans les airs, tandis que les danseurs tournent autour de lui dans une unité rythmique. Les bonnets blancs des femmes et les vestes sombres des hommes sont rendus avec une attention minutieuse aux costumes locaux, ancrant la scène dans un temps et un lieu spécifiques.

Le ciel lumineux et le scintillement des lanternes suggèrent la nature éphémère de la joie, un motif auquel Breton revenait souvent. Contrairement à Jean-François Millet, dont les paysans portent le poids du travail, Breton capture ici un rare moment de délice communautaire, élevant la vie rurale quotidienne au niveau de la peinture historique. Le médium exact de Danse de la Nuit de Midsummer à Courrières n'est pas toujours mentionné dans les catalogues, mais il est cohérent avec les grandes œuvres à l'huile de Breton des années 1870. La peinture est restée en possession de l'artiste pendant plusieurs années avant d'entrer dans des collections privées en France et, plus tard, en Angleterre.

Aujourd'hui, elle se dresse comme un exemple clé du style mature de Breton, comblant le fossé entre le réalisme de l'école de Barbizon et l'intérêt croissant pour l'identité régionale. Bien qu'elle ne soit pas reproduite aussi largement que son icône La Chanson de l'Alouette, cette œuvre perdure comme un témoignage de son attachement tout au long de sa vie à sa terre natale d'Artois et de sa croyance en la dignité de la tradition rurale.