Lorsque Anthony van Dyck a peint Portrait d'Enrico Concini, Comte de Peña en 1630, il était à l'apogée de sa carrière, récemment revenu d'Italie et très recherché par l'élite européenne. Le modèle, Enrico Concini, était un noble florentin dont l'ascension à la notoriété en Espagne et en France a été marquée à la fois par l'admiration et la controverse. On dit que l'ascension rapide de Concini à la cour française, et son assassinat ultérieur en 1617, ont rendu son nom synonyme d'intrigue et d'ambition.

La décision de l'immortaliser sur toile après sa chute dramatique en disgrâce en dit long sur la fascination durable pour son histoire. Van Dyck présente Concini à un moment de calme assurance, son regard est direct mais énigmatique, comme s'il rencontrait les yeux du spectateur avec la sérénité d'un homme habitué au pouvoir. Le costume riche mais sobre, en velours sombre rehaussé de subtil or, signale à la fois la richesse et une certaine discrétion — peut-être un clin d'œil à la précarité de la faveur à la cour. Dans sa main gauche, Concini tient une lettre, son sceau à peine visible, faisant allusion à son rôle de diplomate et de confident.

La douce lumière atmosphérique qui caresse son visage rappelle l'influence de Titien, que Van Dyck admirait durant ses années en Italie, mais l'intensité psychologique est distinctement propre à Van Dyck, ce qui distingue ce portrait des ressemblances plus formelles de son mentor, Peter Paul Rubens. L'histoire ultérieure de Portrait d'Enrico Concini, Comte de Peña est moins bien documentée que celle des commandes royales de Van Dyck. Bien que le commanditaire original ne soit pas connu avec certitude, le style et le sujet de la peinture suggèrent qu'elle était destinée à une collection privée, peut-être comme un symbole de loyauté ou de souvenir. Au fil des siècles, l'œuvre a passé entre plusieurs mains, parfois mal attribuée en raison de l'identité ambiguë du modèle et du manque de documents anciens.

Aujourd'hui, elle se dresse comme un témoignage de la capacité de Van Dyck à capturer à la fois la grandeur et la vulnérabilité de ses modèles, et elle reste un point culminant de sa période mature, reliant l'élégance italienne de son œuvre précoce à la profondeur psychologique qui définirait ses portraits anglais.