Peu d'histoires de l'antiquité ont suscité autant de fascination et de débats que celle de la Charité Romaine, et l'interprétation de Artemisia Gentileschi se distingue par son audace. Le sujet—une fille adulte allaitant secrètement son père emprisonné pour le maintenir en vie—était controversé, surtout pour une artiste femme dans l'Italie du début du XVIIIe siècle. Alors que Gentileschi a peint plusieurs œuvres explorant la force et la souffrance féminines, sa décision d'aborder ce thème moralement chargé dans Charité Romaine vers 1700 a amené les chercheurs à se demander si elle se voyait dans sa narration de compassion et de défi.

La provenance de la peinture est incertaine, et son médium reste non documenté, ajoutant à l'aura de mystère qui l'entoure. Dans cette scène, le spectateur est attiré dans la sombre cellule de prison au moment où la fille, Pero, offre son sein à son père affamé, Cimon. Le regard de Pero est ferme, son bras soutenant la tête de Cimon dans un geste à la fois nourrissant et résolu. La composition est intime, les figures sont pressées l'une contre l'autre, avec la lumière tombant directement sur leurs visages et mains, intensifiant l'intensité émotionnelle.

Les chaînes aux poignets de Cimon sont rendues avec un réalisme lourd, soulignant son impuissance et la gravité de sa situation. Contrairement à la plus théâtrale Charité Romaine de Peter Paul Rubens, Gentileschi choisit la retenue et la profondeur psychologique, se concentrant sur l'échange silencieux de confiance et de sacrifice entre père et fille. Peu de choses sont connues sur l'histoire précoce de cette Charité Romaine particulière. Aucun commanditaire ou mécène n'a été identifié de manière définitive, et l'emplacement de la peinture est resté non enregistré pendant une grande partie des XVIIIe et XIXe siècles.

Il est possible que l'œuvre ait été créée pour un collectionneur privé, compte tenu de la nature intime et provocante du sujet. Aujourd'hui, elle est reconnue comme une œuvre tardive de Artemisia Gentileschi, reflétant son intérêt durable pour les histoires d'agence et de résilience féminine. Le parcours de la peinture de l'obscurité à la reconnaissance reflète la redécouverte plus large de Gentileschi elle-même, dont la réputation a progressivement augmenté à mesure que les chercheurs et le public revisitent ses choix audacieux et son habileté technique.