Lorsque Paul Gauguin a peint Nature morte avec pichet de Quimper en 1889, il vivait à Pont-Aven, en Bretagne, à une époque où les traditions rustiques de la région captivait les artistes en quête d'une échappatoire à la modernité parisienne. Le pichet de Quimper, au cœur de cette composition, est une véritable pièce de poterie locale, emblématique de l'art populaire breton, et son inclusion signale la fascination de Gauguin pour le fait main et le quotidien. Cette peinture appartient à un petit groupe de natures mortes de la période juste avant son premier voyage à Tahiti, lorsqu'il cherchait de nouvelles formes et couleurs inspirées par la France rurale.

Contrairement à ses œuvres ultérieures, plus exotiques, ici Gauguin trouve l'extraordinaire dans le familier, élevant un humble récipient au centre de sa toile. La scène se déroule sur une simple table, où le pichet de Quimper, avec son émail bleu et jaune distinctif, se trouve entouré de fruits et d'objets ordinaires. Le coup de pinceau de Gauguin est audacieux et sa palette vibrante, conférant à l'arrangement un sens d'immédiateté et de présence. Le pichet lui-même, décoré de motifs bretons, devient un symbole de l'identité régionale, tandis que les fruits—des pommes, peut-être des poires—suggèrent l'abondance de la récolte locale.

La composition est étroitement recadrée, attirant le regard du spectateur vers l'interaction des courbes et des couleurs, une technique rappelant les natures mortes de Cézanne, mais avec la propre touche décorative de Gauguin. Ici, la lumière est moins une question de naturalisme et plus de motif et d'humeur, aplatissant les formes et mettant l'accent sur la surface—un pas vers le style synthétiste qu'il aiderait bientôt à définir. L'histoire précise des débuts de Nature morte avec pichet de Quimper n'est pas entièrement documentée, mais elle a probablement été conservée dans des mains privées pendant de nombreuses années, comme c'était courant avec les natures mortes de Gauguin de cette période. À l'époque, ses œuvres n'étaient pas largement collectionnées, et il avait souvent des difficultés financières, échangeant parfois des peintures contre le gîte et le couvert.

Aujourd'hui, cette peinture est reconnue comme un exemple clé de sa phase bretonne, marquant la transition de l'influence impressionniste à la simplification audacieuse qui caractériserait son style mature. Elle réside désormais dans une collection publique, où elle offre un aperçu de la quête incessante de Gauguin pour le sens du quotidien, juste avant que son art—et sa vie—ne soient transformés par le Pacifique Sud.