Quando Peter Paul Rubens dipinse Mosè e il serpente di bronzo intorno al 1610, era già noto per il suo stile drammatico, ma quest'opera si distingue per la rara rappresentazione di un miracolo violento e caotico dell'Antico Testamento. Il soggetto—una piaga di serpenti velenosi inviati da Dio per punire gli israeliti—era raramente scelto dagli artisti dell'epoca, forse a causa del suo contenuto macabro. Tuttavia, Rubens colse l'opportunità di mostrare sia l'orrore che la speranza su una singola tela contorta.

La composizione del dipinto, piena di corpi contorti e gesti disperati, fu così ammirata che ispirò quasi immediatamente copie e incisioni, diffondendo la sua influenza ben oltre la sua casa originale. L'azione si svolge al culmine dell'agonia degli israeliti: uomini, donne e bambini collassano sotto l'assalto dei serpenti, i loro volti contorti dal dolore e dal terrore. Al centro, Mosè solleva un serpente di bronzo su un palo, seguendo il comando di Dio che coloro che lo avessero guardato sarebbero stati guariti. Rubens riempie il primo piano con un groviglio di figure muscolose—alcune già in preda alla morte, altre che allungano il collo verso il simbolo miracoloso.

Il serpente di bronzo brilla contro un cielo tempestoso, attirando lo sguardo verso l'alto e offrendo un forte contrasto con il caos sottostante. Rispetto al trattamento dello stesso soggetto da parte di Michelangelo nella Cappella Sistina, la versione di Rubens è più viscerale, immergendo lo spettatore nel tumulto fisico ed emotivo della scena. Le origini esatte di Mosè e il serpente di bronzo rimangono in parte incerte, così come i dettagli della sua prima proprietà. Ciò che è chiaro è che Rubens lo dipinse durante i suoi anni prolifici ad Anversa, un periodo in cui sperimentava con composizioni dinamiche e colori audaci.

Il dipinto è passato attraverso diverse collezioni notevoli ed è stato talvolta confuso con repliche di studio o copie di seguaci, una testimonianza della sua popolarità e della domanda per le scene bibliche di Rubens. Oggi, l'opera è riconosciuta come un esempio principale della fascinazione barocca per il movimento, l'emozione e l'interazione drammatica di luce e ombra, e continua ad attrarre studiosi e visitatori ovunque venga esposta.