Quando Paul Gauguin svelò Povero Pescatore nel 1896, confondette sia i critici che gli amici. Anche il suo stretto sostenitore, Charles Morice, scrisse che il dipinto era "così strano che bisogna vederlo molte volte per capire." A differenza delle sue lussureggianti scene tahitiane, qui Gauguin presentò una visione così austera e ridotta che alcuni contemporanei si chiesero se avesse abbandonato del tutto la bellezza. L'opera si erge come un esperimento solitario: Gauguin non dipinse mai più una composizione simile, e il suo significato ha suscitato dibattiti da allora. Al centro di Povero Pescatore, un uomo magro, quasi spettrale, siede solo nella sua canoa, con le spalle al pubblico, ridotto in dimensioni da un mare piatto e implacabile.

Suo figlio si aggrappa a lui, mentre una donna aspetta sulla riva, la sua postura tesa per l'ansia. Il paesaggio è spogliato di dettagli, reso in ampi campi di colore opaco: mare, sabbia, cielo, quasi astratti nella loro severità. L'uso da parte di Gauguin di uno spazio appiattito e di tonalità innaturali intensifica il senso di isolamento e lotta, riecheggiando la ricerca di verità interiori del movimento simbolista.

A differenza dei contadini compassionevoli di Jean-François Millet, il pescatore di Gauguin è anonimo, la sua sofferenza è quasi mitica, un'immagine universale di povertà e resistenza. Povero Pescatore fu dipinto durante il secondo soggiorno di Gauguin a Tahiti, un periodo segnato da difficoltà personali e rischi artistici. Il dipinto non fu commissionato e ricevette poco entusiasmo quando fu esposto per la prima volta a Parigi; il suo umore cupo e il suo stile radicale disorientarono molti. Nel corso degli anni, ha viaggiato attraverso diverse collezioni private prima di trovare una casa permanente nel Museo Pushkin di Mosca.

Oggi è riconosciuto come un'opera chiave del periodo tardo di Gauguin, distinguendosi dalle sue scene tahitiane più decorative e offrendo una meditazione austera sulla vulnerabilità umana.